Casa Amarela 5B - jornal online

TÀPIES

2012-02-09T02:36:00.000-08:00

Coleção

A coleção da Fundació Antoni Tàpies é constituída em grande parte por doações de Antoni Tàpies e Teresa. Há algumas exceções, como o trabalho em Marro-cinza ocre(marrom-ocre em cinza, 1962), doado por David K.Anderson, ou cerâmica painel Trespeus (Trébede, 1985), instalado no telhado da Fundação, doado por Daniel Lelong.

Além disso, Antoni Tàpies e Teresa aumentam a cada ano a coleção com um novo trabalho para o ano. Assim, a recolha é mantida em crescimento contínuo.

Incluindo pinturas, esculturas, desenhos, livros e estampas, a coleção contém amostras de todos os aspectos da atividade artística e Tàpies de diferentes tipos, técnicas e materiais utilizados pelo artista. A coleção inclui uma seleção de desenhos e retratos dos anos quarenta, um importante grupo de obras matéricas anos cinquenta e sessenta, uma representação significativa de objetos baseados em obras de finais dos anos sessenta e setenta, bem como obras feito com espuma de borracha ou spray, esculturas em argila refratária e verniz dos anos oitenta, e também objetos e esculturas que foram criados Tàpies desde os anos noventa, experimentando novos materiais, tais como folhas de metal, às vezes usado como suporte pictórico , ou bronze.

Os primeiros trabalhos de Tapies mostrar o caráter primitivo forte associada à arte Dadá e crianças ou doentes mentais, e, portanto, perto de Art Brut. Além disso, essas obras que, em alguns casos anunciem seu trabalho posterior com os materiais também revelam algum caráter simbolista, especialmente na importância que atribuem à alegoria do mito e metáfora. Obras deste período são Zoom (1946), uma das mais antigas peças da coleção, Cap i bandeira (Cabeça e Bandeira, 1946) e Cruz de papel de Diari (Cross jornal, 1946-1947).

Durante os anos quarenta , em reação à arte conservadora liderada pelo regime de Franco, incluindo muitos jovens artistas vem um interesse em Surrealismo, que foi o último movimento da força de vanguarda na Espanha antes da Guerra Civil. Tàpies período surrealista começou em 1948 com a fundação da revista Set al Dau, juntamente com outros artistas e escritores. Nas obras deste período encontramos referências a Miró, Ernst e Klee. No caso de o trabalho Parafaragamus (1949) Miró tipicamente observado com os aspectos da arte Klee elementos.

Entre 1949 e 1950, Tàpies começa a adquirir uma consciência social cada vez maior. Esta nova atitude é parte de uma ampla controvérsia entre os defensores de uma arte engajada e simpatizantes de uma arte avant-garde, que encontra seu clímax durante a estadia de Tàpies em Paris entre 1950 e 1951. A partir deste período data a série de desenho animado Historia Natural(Natural History, 1950-1951), mostrando a evolução da natureza, a sua metamorfose e transformação em uma civilização moderna e da luta de classes. As obras deste período combinado com um personagem realista, mas surreal. Este é o caso, por exemplo, i maleïts O barbeiro dels dels elegits (Barbershop dos condenados e dos eleitos, 1950) ou colagem de papel moeda (colagem de papel-moeda, 1951).

De 1952 a 1954 , a arte toma um rumo Tàpies abstrato drasticamente em reação ao período anterior, o protesto de forma aberta e social. Durante estes dois anos, seu trabalho se concentra em aspectos plásticos, tais como forma e cor, ecoando as idéias que estão ganhando terreno neoplasticists nos círculos artísticos da Europa. No entanto, essas experiências um pouco passado no caminho de Tapies, como o seu interesse vai além da mera expressão formal, e logo o artista começa a trabalhar com novos materiais como pó de mármore, areia e terra cores, entre outros.Esta linha de trabalho dá origem a um novo tipo de obras que são conhecidos genericamente de pintura de material .

Nos quadros de matéria , os materiais deixam de ser simples meios sujeitos à expressão de uma ideia de se tornar a ideia em si.Assim, existe uma identificação completa entre a matéria e forma, entre conceito e idioma. Essas obras se tornam superfícies opacas, paredes em que o artista inscreveu seu graffiti e colar formas de objetos ou pessoas. Identificação do artista com a obra pelo nome expressa um profundo desejo de romper o dualismo ocidental e derreter-se o assunto em um relatório contínuo.
Durante os anos do pós-guerra surgiu um interesse no assunto entre os artistas de ambos os lados do Atlântico . A consciência da importância da bomba atômica e as novas descobertas científicas gerar uma forte curiosidade sobre ciência, novas idéias sobre o espaço-tempo ea matéria, assim como invenções como o microscópio eletrônico oferece uma nova visão da natureza .
paralelo, Tapies desenvolveu um interesse crescente na filosofia oriental, por sua ênfase sobre o material, a identidade entre o homem ea natureza e sua negação do dualismo em nossa sociedade.

Muitas das obras de Tàpies anos cinquenta e sessentamostrar um mundo ainda em formação, fósseis de impressões digitais natureza petrificadas, e imerso em uma antiga abandonada. Tàpies cree que a noção da matéria deve também ser entendida a partir da perspectiva do misticismo medieval através dos escritos de Arnau de Vilanova, de Enric Villena e magia Ramon Llull-like, mimese e alquimia. Neste sentido, consideramos o artista como um "alquimista do espírito", alguém que pode transformar o nosso interior além de nós mesmos.
Este conceito é alquimia toda a sua obra. Também durante estes anos, Tàpies irá desenvolver uma série de imagens, normalmente retiradas de seu ambiente imediato, que aparecem em diferentes estágios de sua evolução. Muitas vezes, a mesma imagem, bem como a ser representado de diversas formas, vai adquirir uma série de significados diferentes que são sobrepostos uns aos outros.
Assim, Antoni Tàpies nos dá um mundo "materialista". Sua mensagem centra-se na apreciação do que é geralmente considerado material, baixo repulsivo (não por coincidência, Tàpies muitas vezes escolhem temas tradicionalmente negligenciados como desagradável e fetichistas, como um ânus defecando, um sapato esquerdo, um braço, um pé , etc.) Matéria é o elemento substancial da vida. Uma conseqüência dessa rejeição do ideal para o material é a noção de "relatório", que visa a Georges Bataille cancelar todas as categorias formais:. O "relatório" anula a distinção entre natureza e cultura
O processo técnico Tàpies criada na qual as pinturas matéria traduz essa noção do "relatório". Primeiro cobrindo o substrato com uma camada de verniz, e antes de secar, aplica-se pó de mármore, areia e outros materiais ou pigmentos. Em seguida, adicione tinta em várias áreas, criando uma figura, objeto, ou apenas uma mancha. Quando as camadas últimos começam a secar, o material é cracking e mostra os seus componentes estruturais. Às vezes, o artista acentua essa impressão, raspando a tinta em alguns lugares. A coleção da Fundació Antoni Tàpies tem uma ampla representação de obras que datam deste período: O crit. Eu Groc violeta (O Grito. Amarelo e Violeta, 1953), i pintar Terra (Terra e pintura, 1956), i blava tinta rosa (pink e tinta azul, 1959),Formulário quadrat preto em cinza (preto no formato quadrado cinza, 1960) e Cordes Relleu amb (Socorro com cordas, 1963), entre outros.

No final dos anos sessenta e setenta , Tàpies intensifica compromisso político e trabalhar com objetos. Sem dúvida, este interesse renovado na linha de assunto com os esforços da Arte Povera na Europa e nos EUA pós-minimalismo, embora não seja mostrado objetos Tàpies como elas são, mas deixou sua marca e os incorpora em sua língua. Ao contrário do que acontece em muitas obras de Arte Povera ou pós-minimalista, em geral, os objetos não são Tàpies discursos em um espaço específico, mas são absorvidos pelo quadro que incorpora pictórica, como observado no Palla chicote i ( palha e madeira, 1969) ou no quadro-Pantalons (calças na armação, 1971).
Enquanto os anos sessenta e setenta, seu trabalho tem uma sensibilidade especial para o objeto, nunca falha Tàpies pintura ou trabalho gráfico. Logicamente, pintura e gravura ao longo dos anos adquiriu uma forte política social e à memória de Salvador Puig Antich (Em memória de Salvador Puig Antich, 1974) eAssassins (Assassinos, 1974).

No início dos anos oitenta , com a restauração do Estado de direito em Espanha e à luta política, o interesse do tecido como suporte Tàpies ganhou força renovada. Este novo período de desenvolvimento Tàpies artísticos coincide com um retorno à pintura resultou em amplas da arte na Europa e nos Estados Unidos.
Este retorno para Tàpies pintura comporta no uso de dois procedimentos não são inteiramente novo, mas agora assumir uma destaque especial. A primeira é a pulverização com objetos escondidos em aerossol sob um pano. A segunda é a manchar a tela ou madeira com suporte de laca, tendo várias formas para ser manipulado pelo artista, mas que nunca perde o seu relatório. Este é o caso de obras como i rugas Efecte d'Taronja (Efeito de rugas e Orange, 1979) e em negre Sinuós Vernis (no enrolamento laca preta, 1983).

Além disso, no final dos anos oitenta , o interesse em Tapies cultura oriental parece ter aumentado. Da mesma forma, Tàpies também foram atraídos pela nova geração de cientistas, David Bohm de Rupert Sheldrake. Esses pensadores têm ajudado a proporcionar uma nova visão do universo em que você entender a matéria como um todo sob constante mudança e formação.

As obras dos últimos anos são principalmente uma reflexão sobre a dor, tanto física quanto espiritual, entendida como parte integrante da vida. Influenciado pelo pensamento budista, Tàpies acredita que o conhecimento maior da dor pode atenuar os seus efeitos e, assim, melhorar a qualidade de vida. A passagem do tempo, que sempre foi uma constante na obra de Tàpies, assume novos matizes, vivida como uma experiência pessoal que facilita uma maior auto-conhecimento e uma compreensão mais clara do mundo circundante. Neste sentido, é interessante notar também a marca deixada por certos eventos em seu trabalho hoje, e como a guerra na ex-Jugoslávia ou as matanças e deportações de Ruanda.Assim, nas obras deste período são imagens freqüentes de mortalhas, corpos e caixões. Algumas das obras do acervo dos últimos anos são Parla, Parla (Falar, falar, 1992), Cos i filferros(Corpo e Wire, 1996) e montes de terra Quotas (dois lotes de terra, 2001).

Juntamente com sua pintura e objectual , Tàpies desde 1947 tem desenvolvido uma intensa actividade no campo da arte gráfica. Neste sentido, é notável o número de livros de colecção do artista, em estreita colaboração com poetas e escritores como Alberti, Bonnefoy, Bouchet Du, Brodsky, Daive Brossa, Dupin, Foix, Fremon, Gimferrer, Guillen Jabes , Mitscherlich, Paz, Takiguchi, Ullán, Valente e Zambrano, entre outros. A parte inferior do colecção contém cópias da base para quase todas as edições existentes.

Trabalho Antoni Tàpies de um corpus de discurso estético coerente e manteve-se praticamente inalterada desde 1954. Neste sentido, não se pode falar de uma evolução formal si, mas também a consolidação de bases que dão origem a uma produção unitária e consistente.

in http://www.revistadearte.com/2012/02/07/fallece-antoni-tapies/?utm_source=feedburner&utm_medium=email&utm_campaign=Feed%3A+Revista-De-Arte-Logopress+%28REVISTA+DE+ARTE+-+LOGOPRESS%29

Fundació Antoni Tàpies, Aragó 255, 08007 Barcelona | t +34 934 870 315 | f +34 934 870 009

Playlist

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TE-ATO ||| LEIRIA

2012-02-08T07:18:00.000-08:00

View more documents from Maria João Franco.

o que não sabemos...

2012-02-08T04:36:00.001-08:00

http://www.eisp.org/

http://en.wikipedia.org/wiki/Moai

Lançamento do livro A Miragem de Amar de Silvestre Raposo

2012-02-08T04:14:00.000-08:00

Lançamento do livro

A Miragem de Amar

Silvestre Raposo

Galeria do Desassossego

17 Fev 22:00

Dança Contemporânea

Dansul

Rosa Azevedo_eventos/LIVROS DE CABECEIRA

2012-02-06T03:42:00.000-08:00

Caros todos,

eu e o Ricardo Ribeiro estamos a organizar na livraria Book House do ISPA em Lisboa um novo ciclo de eventos com o nome LIVROS DE CABECEIRA. Nós arranjamos um convidado, ele arranja outro. E falam dos livros com que dormem e dos livros que comem ao pequeno almoço. Vai ser de 15 em 15 dias e já temos algumas surpresas preparadas. Eis o primeiro:LIVRO DE CABECEIRA com Pedro Vieira e Samuel Velho9 de Fevereiro, 19hBook House, no ISPA, Rua Jardim do Tabaco, 34, Lisboacom que livros dormem eles? que livros comem ao pequeno almoço?aqui estão eles:

Evangelho Segundo Jesus Cristo, Saramago

O Processo, Kafka

A Espuma dos Dias, Boris Vian

Lunário, Al Berto

A Boca na Cinza, Rui Nunes

Musicofilia, Oliver Sacks

A ilustração em anexo, claro, é do Pedro Vieira.

Um bem haja pela ilustração, pela presença e também, claro, por nos trazer o Samuel.

Mais informação, resumos e próximas sessões a seguir em www.estoriascomlivros.blogspot.com

BRANCO E NEGRO

2012-02-02T03:24:00.000-08:00

A Exposição BRANCO E NEGRO: sujeito, espaço e perceção é uma aproximação à Obra de diversos artistas portugueses e espanhóis, a criação plástica desde a obra aproximadamente monocromática em branco e em negro, até à construção de um espaço que se articula à volta de dualidades opostas e complementares.

Realizar uma exposição sobre a cor é reflectir sobre um dos temas centrais da criação contemporânea.

Devido aos elevados valores simbólicos, reclamados pela herança cultural e as fortes propriedades perceptivas que derivam deles, identificaram-se com o positivo e o negativo, a luz e a obscuridade, a apreensão visual e a negação do espaço.

Estas oposições, que na arte se podem materializar mediante a cor e os seus sistemas percetivos, conduzem-nos à natureza do dualismo, pela representação dos sistemas de pensamento e pela realidade na sua dimensão empírica, espiritual e subjectiva.

Esta exposição é composta por 22 Obras de oito artistas distintos, nas técnicas de: pintura, gravura, desenho e fotografia.

.......

Prova de Artista

Rua Tomás Ribeiro, 115 / 1050 - 228 Lisboa

telef.: 21 319 95 51 / móvel: 91 788 59 91

e-mail: provartista@gmail.com

h: segunda a sexta: 10:30 - 20:00 / sábado: 15:00 - 20:00

http://provadeartista-blog.blogspot.com

estacionamento: parque Hotel Real Palácio

metro: estação de São Sebastião / estação de Picoas

NELSON DIAS ||| 1993-2012||| 26 de janeiro

2012-01-26T07:52:00.000-08:00

http://casamarela5b.blogspot.com/2007/11/nelson-dias.html

Curriculum

NELSON DIAS__________________________________

Nasceu em Matosinhos a 17 DE Fevereiro de 1940.

Concluiu o Curso Superior de Pintura em 1964 na Escola Superior de Belas Artes do Porto/FBA-UP.

Realizou a sua primeira exposição individual na Galeria Quadrante – Lisboa, em 1968.

Nos anos que se seguiram realizou várias encomendas para Tapeçaria e, no campo da Pintura, realizou uma intensa pesquisa numa linguagem “Pop” que nunca veio a público.

Em 1972, publicou o álbum de banda desenhada “Wânya, Escala em Orongo” com texto de Augusto Mota, numa edição da “Assírio & Alvim”.

Durante a sua carreira participou em inúmeras colectivas em Portugal e no estrangeiro e realizou várias exposições individuais, de que se destacam as últimas:

1989- “Anamnésias” – Galeria S. Francisco – Lisboa

1990- “Metamorfoses” – Galeria AlfaMixta – Lisboa

1991- “Géneses” – Galeria Espiral – Oeiras

Prémios:

1985 – 1º Prémio na Bienal de Desenho da Cooperativa ÁRVORE – Porto – Portugal;

1988 – 2º Prémio no Concurso Internacional de Desenho Perez Villaamil – Corunha – Espanha;

1991 – 1º Prémio de Desenho na III Bienal de Escultura e Desenho das Caldas da Rainha – Portugal;

1992 – 1º Prémio de Pintura no V Concurso Internacional de Pintura de Freiburg – Alemanha.

Está representado no Museu Armindo Teixeira Lopes, no museu Bello Pinero na Corunha-Espanha, no Museu da Caixa Geral de Depósitos e em inúmeras colecções particulares.

À data do seu falecimento em 1993 fazia parte integrante do corpo docente da FBA-UL como Professor Agregado onde exercia docência desde 1982/3.

Numa conjuntura cultural como a nossa, onde os picos de visibilidade pública das Artes Plásticas tendem, infelizmente, a afirmar-se em exclusivo mediante acontecimentos eminentemente gratuitos, conviria perguntar, quinze anos passados, onde está o pintor Nelson Dias?
Um dos aspectos em que é mais notório o défice histórico do meio artístico português é a carência de exposições individuais e retrospectivas representativas de nomes consagrados da história recente da arte moderna portuguesa.
Pouco usual entre nós que um artista, após a sua morte, seja homenageado por uma galeria, como na presente acontece, ou seja: uma mostra da obra feita, uma consciência da inserção do artista no tempo, e do tempo decorrido, uma qualificação ao seu nível de arte, da sua independência com maioridade estética.
Mais do que uma homenagem, esta exposição vai funcionar para muita gente como o encontrar formas de permitir e incentivar a fruição da arte. É falar de cultura, de a fazer assumir o seu papel interveniente e transformador de mentalidades, de a tornar acessível a um, cada vez maior, número de pessoas.
Tratando-se de Nelson Dias, para quem como eu e outros seus amigos que tiveram a honra de assistir e estar de perto da sua mestria de fazer e de ensinar, com a autoridade que só é consentida àqueles que são naturalmente mestres, ele dedicou muito de si ao desenho e à pintura, a esse trabalho árduo, exigente e por isso mesmo generoso, de transmitir ensinamentos, de formar gente.
E muitíssimo se lhe deve nessa prestigiosa tarefa.
A sua acção no âmbito do desenho e seu ensino deve ser merecidamente lembrada, pois seguramente foi uma das figuras, fascinante e polémica, que até hoje sobreviveu à nossa Escola.
Sendo, quanto a mim, desnecessário falar dos seus variados trabalhos, dado que a sua obra fala por si, ele foi um homem que tinha uma inquietação espiritual, uma grande capacidade criativa, uma enorme sólida formação cultural e filosófica, aliada a uma postura de acção.
O ensino artístico, e especialmente o ensino do desenho e da pintura na ESBAL ficaram mais pobres, estando todos os docentes agradecidos pela sua acção exemplar.
No patamar da vida, que é um privilégio dos homens invulgares, sobretudo nos artistas cuja vida verdadeira talvez comece quando o seu corpo vai para baixo da terra, reduzido a pó, Nelson Dias está vivo na sua obra, na História de Arte Portuguesa, no coração e na memória dos seus muitos amigos.
Até já amigo!
João Duarte, Outubro de 2007

PAÍS SUBMERSO

Do sítio onde nascem as ideias, os ideais, parâmetros de uma civilização mais do que milenar, questionaremos, e bem, a verdade ou a sua ilusão, a liberdade e o seu conceito, o conceito e a sua razão. Durante séculos de afirmação, os poderes instituídos pautaram-se por estatutos do estar, coeficientes de integração do indivíduo em sociedades ditas civilizadas. Contudo, e por outro lado, tais poderes filiaram de forma compulsiva, nos seus esquemas de conceito, civilizações anteriores, procurando garantir efeitos tendenciosamente indicadores no futuro.

Assim, ao longo de várias histórias da arte, e aqui permito-me ter o prazer de recordar Dino de Formaggio, foram passando em fita consertada aquilo a que os poderes, por sua conta e risco, elegeram e ditaram como arte. E escrevo arte com a minúsculo, porque a universalidade do produto assim mo exige. Da coisa à coisa-outra, temos um vasto caminho a percorrer, passando pelo entendimento dos substratos que a cultura de Estado não assume.

É facto, com efeito, que a história de arte está por fazer, toda ela.

Citando Rocha de Sousa, subscrevendo atenta e criteriosamente as suas palavras, reconheçamos que «a história da arte dos últimos cinquenta anos parece escrita sobre os joelhos».

É certo que há uma história bem mais real, verdadeira e fecunda, à qual devemos prestar cuidadosa pesquisa, porque a sua submersão é verdadeiramente grave e um atentado global à liberdade, à própria democracia, salvaguardando assim valores que passem por conceitos já adquiridos como bons, em termos de civilização e não de Estado.

Isto porque «toda a pesquisa tem obrigação de pressupor qual o seu objecto e o que, pelo menos, sumariamente ele é, e de optar por um método que, pelas provas de eficácia já dadas, permita progredir no conhecimento do que ele é. Mas o objecto estético, nascido do livre jogo da imaginação, livre até ao arbitrário e que, além de poder dispor de todas as riquezas da natureza ainda pode tirar partido do seu próprio fundo, apresenta-se-nos sempre com uma derrotante diversidade de conteúdos, aparências e categorias. Se, para definir Arte, tivéssemos de utilizar apenas um critério universalmente válido, seria necessário ordenar e conjugar todas as suas particularidades (evidentes e aparentes) e todos os elementos que nela influem de maneira mais ou menos determinante. Tal empresa, porém, torna-se na prática impossível, pois os materiais dados à pesquisa não se apresentam todos no seu conjunto, nem na sua intrincada rede de inter-relações: — os elementos que se mostram ao estudioso como desprovidos de interesse, ou apenas secundários, tiveram muitas vezes, para o artista. mais importância do que aqueles que se mostram em toda a sua evidência, dado que os elementos dispersos e aparentemente superficiais adquirem, na sua relação criativa organizada, um sentido que os ultrapassa na sua elementaridade isolada.

(Por isso, qualquer abordagem do fenómeno artístico é sempre complexa e discutível, não só pela pluralidade de perspectivas que consente, mas também pelas divergências direccionais que os argumentos utilizados, com frequência, tomam: — a contingência do discurso estético resulta, em parte, do carácter policêntrico do terreno de análise e, principalmente, da variabilidade dos contornos que o seu objecto de estudo foi historicamente adquirindo.)

Sendo a Arte um fenómeno que, na sua essência, se foi construindo a partir de uma "praxis" actuante pré-teórica, em que as frequentes mutações formais se demonstram com frequência mais importantes do que as suas invariantes, devemos começar por nos interrogarmos sobre a validade dos conceitos disponíveis pela análise do já feito, ou do que se está a fazer e se eles poderão ser caracterizados e ordenados como dados definitivamente adquiridos. Parece admissível supor que, no geral, a resposta será negativa, se, pelo menos, se pretender que os termos teóricos sejam definidos explicitamente por meio de um vocabulário anterior que não comporte outros termos para além dos já verificados. Na indeterminação de campo em que se move o discurso estético, quase só se pode afirmar com segurança, ainda aqui, também relativa, que a Arte existe e que sempre existiu, mas demonstra-se mais incapaz quando se trata de elaborar dela uma definição convincente, com nitidez e abertura necessárias a uma permanente validade temporal. A reserva que se levanta resulta em parte do facto de a Arte, diferentemente da sua concepção actual (se é que existe um conceito hodierno de arte conformemente generalizado), não ter tido outrora, e até em épocas históricas recentes, a existência autónoma de uma preocupação estética exclusiva ou mesmo prioritária. (e, entendamos aqui "estética" num sentido suficientemente lato). Apesar de não se pôr de lado a hipótese, nem que seja como mera hipótese, de sempre ter podido o artista, mesmo que num plano secundário ou inconsciente, uma difusa preocupação plástica, ele integrava-se no seio da sociedade, cumprindo a sua função com a consciência de que o seu trabalho só seria considerado ao nível do de qualquer outra actividade artesanal e que a aceitação da sua obra seria resultante da eficácia significante a que ela se destinava. A função e a técnica tornavam-se nesta perspectiva objectivantes, e as outras categorias limitavam-se a ser elementos mediadores, ainda que essenciais, para atingir a qualidade socialmente exigida: a "Arte" propunha-se então como uma espécie de teofania no interior do "ser colectivo " profundo, em cada uma das suas impressões e operações na base de uma intencionalidade integradora na totalidade do real objectivo e como necessidade de o individuo se identificar com o que ele não é para melhor e mais seguramente se descobrir nos por vezes complexos sistemas de relação sígnica que contribuem para dar sentido e segurança à existência comunitária. Porém, o conceito de qualidade plástica permanecia fechado no âmbito restrito da resposta a questões já conhecidas, segundo códigos pré-estabelecidos e onde a especialidade estética não parecia ter cabimento dominante: paradoxal- mente, objectivar a visão transcendental do mundo, colocando-o ao nível da vivência existencial. Não é de estranhar que para a eficácia do processo fosse necessário haver estabelecido um conjunto de normas conceptuais e convenções tacitamente aceites por tradição, que facilmente permitiam a sua leitura, aceitação e, até, veneração. Porém, não devemos ter ilusões a este respeito; a maior parte das leituras que a obra desencadeava ou permitia era muito mais de ordem religiosa ou cultual do que propriamente ou sequer estética. Mas, por outro lado, a importância significante que as imagens adquiriam, continha o destino da libertação expressiva dos significados nelas contidos, das relações entre os homens e destes com as coisas. A submersão das aparências da realidade pelos significados imagéticos estabelecidos demonstrou-se como a via possível da descoberta do universal no particular e como o espaço propício ao desenvolvimento dos valores plásticos dos referentes implícitos nas formas da realidade teologicamente vivenciada. Apesar disso, ou por isso mesmo, continuou a ser possível estabelecer um conjunto de características necessárias para que uma obra de arte se apresentasse como tal; mas quando os artistas, e ainda as embrionárias teorias estéticas, falavam de determinados valores, tinham já no seu horizonte qualidades plásticas ou conjuntos especiais delas e principalmente certas propriedades, tais como rigor, expressão, originalidade, perfeição, coerência, unidade formal, etc.

É evidente a preocupação de objectividade que está presente neste quadro de valores (em muitos aspectos ainda actual, assaz fáceis de constatar), qualquer uma daquelas propriedades, quando aplicada à fruição de uma obra de arte, perde toda a sua eficácia analítica objectiva, pela subjectividade que envolve qualquer destes conceitos. Mas é precisamente através dessa subjectividade dos conceitos, que parece só admitir um muito particular tipo de conhecimento, uma espécie de epistemologia ontológica que determina nos indivíduos uma capacidade para admitir desvios da sua própria vida interior para aceitar conteúdos psíquicos diferentes, tudo o que podemos chamar "empatia estética", de tal modo cada Um se identifica com o Outro pelo uso dos objectos mediadores que lhe servem de expressão. A tomada de consciência deste fenómeno conduz-nos à tentativa de elaboração de quadros de valores e de conceitos que fixem para sempre as mais sólidas qualidades da obra de arte.

É natural que, nesta base, as tentativas de definição da Arte tenham sido elaboradas, pensadas e deduzidas a partir do modo como se foi manifestando. Mas a validade do método tem que ser sempre posta em causa pelas características que esta vai adquirindo no seu processo de produção socialmente integrado.

Com efeito, uma abordagem empirista como a que atrás referimos, não pode admitir a fixação de uma linguagem que resulte dos predicados observados, porque neste campo de análise é sempre necessário fazer intervir processos menos restritos e mais envolventes: em certos casos temos que admitir um conhecimento puramente prático, noutros deveríamos conseguir formular descrições teóricas mais amplas das regras ou dos elementos determinantes que balizam o processo artístico. Assim, e numa perspectiva puramente pragmática, a Arte seria então uma característica de certos objectos produzidos pelo homem enquanto ser inteligente, que se manifesta pela capacidade de produzir nos outros uma emoção ou prazer, a que devemos chamar "prazer estético" e que conduza a um juízo de valor (ou gosto) sobre a obra em si mesma e a partir da sua intrínseca organização formal, cromática, tonal, gráfica e textural, ou seja, do domínio inventivo e expressivo dos elementos próprios da sua linguagem (aqui, apenas da linguagem pictórica). É óbvio que esta tentativa de definição, que julgo no geral tão aceitável como qualquer outra, enferma das ambiguidades naturais dessa mesmo alternativa. Por exemplo, quando se diz "uma característica", continua indefinida que característica ela é; e quando falamos dos elementos próprios da arte pictórica (ou, pelo menos, dos fundamentais) não podemos nem devemos normalizar de que modo eles se podem ou devem organizar para que possam "produzir nos outros" a "emoção ou prazer», isso a que justamente queremos chamar efeito estético. Além disso, quando se afirma que a pintura utiliza os elementos próprios da sua linguagem com uma "intrínseca organização formal, cromática, etc.", admite-se descontraidamente que a pintura aceita um código ou uma gramática e que as teorias que dizem respeito à comunicação possam explicar a Arte. Mas se por "explicar a Arte" se entende caracterizar o fenómeno artístico segundo um juízo de valor, temos que admitir que a expressão pode ser uma apropriação abusiva dos termos das teorias da comunicação porque a pintura talvez possa não ser uma linguagem, ou não é mesmo uma linguagem no sentido mais restrito do termo. Por outro lado, os "juízos de valor" estão tão dependentes da informação, formação e sensibilidade, em suma, do gosto do fruidor, que as considerações sobre a qualidade das obras parecem dependentes de factores que lhes são exógenos a tal ponto que frequentemente se julga estar a "qualidade" mais no fruidor do que na própria obra.» (1)

Agora mesmo, nas horas em que decorrem actos vários de divulgação cultural, continuamos tristemente a assistir aos mesmos episódios «epitafiais» e diários de acções de estupro e maldizer que só podem satisfazer a necessidade de escândalo sentida pelas massas, quase ao modo como os gladiadores brindavam o desejo das multidões com o próprio sangue. É um espectáculo retrógrado e subversivo este com que todos os dias somos «contemplados» pelos meios de comunicação social.

Subversivo de todos os valores culturais por que tanto ansiamos. Subversivo porque criam no espectador o medo do outro e assim pressupõem e privilegiam uma sociedade que propicia o domínio pelo terror e pela violência, privilegiando o poder do aquisitor sobre o adquirido.

Pergunto ainda se esta nova «massa de escravos» quererá, se bem informada, este «admirável» mundo liberal?

Os contra-sensos criados em termos anti-natura, tão brilhantemente descritos numa inquietante premonição de Aldous Houxley no seu “Admirável Mundo Novo” remetem o homem para condições sociais em que os choques tecnológicos são armas de poder mal constituído.

Com todas estas palavras quero introduzir a ideia, que me parece fecunda, de tentar visionar o País Submerso em que vive o aculturado, sempre a aceitar tudo o que lhe atiram como bom.

Não falo de influências e saberes.

Falo de factos vividos dia a dia, em que vejo as várias áreas da cultura invadidas e estranguladas por agentes do poder, de poderes impostos por «quem de direito».

Para não perigar por algum indicador de nacionalismo, passo a afirmar que respeito todas as trocas de informação cultural, orais, escritas, de qualquer credo, ou ainda, e com mais rigor, no domínio das artes plásticas que é a área a que me dedico.

Questiono porém a inversão de valores e o desrespeito por valores adquiridos.

Sabemos que os caminhos que nos trouxeram ao presente trazem consigo conceitos de toda a ordem, conceitos representativos de época e de civilização.

Sabemos ainda que toda a teorização estética ocidental se baseia nas teorias platónicas e/ ou neo-platónicas.

Ainda: a busca incessante do conceito de “belo” que percorre as páginas de todos os filósofos e estetas não é mais do que a busca do sentido da Verdade e do Prazer Estético e dos seus fundamentos.

As pesquisas e práticas renascentistas, advindo de descobertas científicas ou pré-cientificas, situando o Homem como elemento central e medida de todas as Coisas, dá um incremento real a conceitos representativos revolucionários em que a tridimensionalidade é assumida como princípio da representação e de relação entre o Homem e o Mundo.

Daqui, os conceitos epocais — sociais, morais, éticos e estéticos — tomam uma ênfase propiciatória aos desenvolvimentos futuros, em que as marginalidades se debatem na impossibilidade institucional de integração. Advindo todos os maneirismos desta impossibilidade, colocam-se dialecticamente numa mais valia para as sociedades vindouras, surgindo assim novos conceitos de Arte e de Mercado, em que os valores se digladiam e complementam numa argamassa complexa, muito difícil é desconstruir/construir um País tão mal informado, como o nosso.

O estado da Arte, ou seja, do culto do saber sobre a Arte, peca por menoridade.

Se os anos oitenta trouxeram para o mercado da cultura protagonistas «emergentes» impostos pela critica, e por bem ser, e também, por agentes de mercado embevecidos pela novidade do Mal Fazer, os chamados «Novos Novos», auto-intitulando-se de «transvanguarda», fazendo-se detentores de verdades importadas, «declinando» e «conjugando» valores afinal apropriados a outras sociedades, aí mesmo já ultrapassados por razões de mercado que não urge agora aqui descrever, subverteram de facto o espírito do gosto e trouxeram benefícios culturais ao roufenho espírito luso.

Por outro lado, abriram diques, aparentemente inultrapassáveis, e permitiram um mercado aberto a toda a espécie de fraude criativa. Tresloucadas aparições de pseudo-artistas detentores de meios próprios ou apropriados de outrem, espalhafatando-se em arraiais de diletantismo, extravasando pós-modernidade, arrastando-se em espectáculos dignos (sim) desta infra-sociedade em que o consumo aumenta na justa e inversa medida da qualidade…

Assistimos neste país a assaltos constantes às instituições por parte de oportunismos infames e consentidos que submergem, isso sim, os valores autênticos de uma cultura que se quer rica e verdadeira.

Passamos a assistir a uma invasão de falsos valores, por mal compreendidos os

fenómenos de evolução e/ou revolução cultural e artística.

As inquietações mal resolvidas num Pais em que a cultura é, e só, beneficio de alguns, apenas poderá gerar confusões de saber, confundindo o ver com o conhecer e o conhecer com o saber. Assim se aproveitam as brechas e os cultos marginais, submergindo valores autênticos, substituindo-os por facilitismos, oportunismos e «medos sociais» de não estar em acordo com as elites do novo saber, do novo poder, sistema feito de arautos declarantes de um novo mundo que esqueceu a existência de um d’Assumpção Dourdill, de um Demèe, de um Rogério Ribeiro, de um Nelson Dias e, mais recentemente, de um Nery, de um Pedro Chorão, de um Rocha de Sousa e até de um Júlio Resende.

Numa ânsia enlouquecida de seguir o modo de estar num mundo global, os nossos «sábios» esquecem ou nunca souberam as autênticas existências e pescam, em «curadorias» emergentes e ansiosas, novas formas de imposição, criando para o poder um suporte cultural que não existe, tudo numa euforia de estar a par (ou passo a passo) com os «residentes» desta pérfida aldeia global.

País submerso este, tão tristemente esquecido de si próprio, imerso em esquemas alheios de alienação e propaganda…

Maria João Franco

Abril/2008

(este texto escrito em 2008 é dedicado, não só a Nelson Dias como a todos os criadores submersos por questões de interesse, lobbies e poderes...)

A MELHOR HOMENAGEM QUE PODEMOS PRESTAR A NELSON DIAS É RELEMBRAR SEMPRE QUE FOI UM DOS EXCLUÍDOS DA NATA DOS ARTISTAS PORTUGUESES E NÃO SÓ!

26 DE JANEIRO DE 2012

Pintura de Eduardo Neves

2012-01-26T03:21:00.000-08:00

a Livraria CÍRCULO DAS LETRAS
e
EDUARDO SANTOS NEVES
convidam as suas amigas e amigos
2 Fevereiro 5ªfeira 18.30h
Abertura de Exposição
CÍRCULO DAS LETRAS – Rua Augusto Gil, 15 B (cruzamento com Oscar Monteiro de Torres / próximo (Av Roma -João XXI-Campo Pequeno) – 210938753
http://www.livrariacirculodasletras.blogspot.com/
Clique aqui para saber a nossa localização

Artista mistério continua...

2012-01-16T05:03:00.000-08:00

"dos pequenos gestos " TE-ATO ||| Leiria

2012-01-11T02:25:00.000-08:00

TE-ATO (Grupo-Teatro de Leiria)

1977/2012

Sala Jaime Salazar Sampaio

Rua Pedro Nunes (à Fonte Freire – Arquivo Distrital / Terreiro)

Contactos: 962 904 385 | teatroleiria@gmail.com | www.te-ato.com | facebook.com/pages/Te-Ato-Grupo-Teatro-de-Leiria

TEATRO PARA A INFÂNCIA

15 de Janeiro | 11h00

Sala Jaime Salazar Sampaio

TE-ATO

dos pequenos GESTUS

“dos pequenos GESTUS” é um espectáculo de Teatro a partir da Infância, que ela nos serviu de base para a sua concepção, e porque a partir dela qualquer idade é possível para o usufruir.É uma peça feita de histórias breves, encontros e desencontros dos sentidos, das pessoas, das coisas e das situações. As histórias que nela se contam são o gesticular dos dias que ganham sentido quando trocados com alguém, porque ser feliz é imperativo de todos nós e para isso há que aprender a ler o outro como um amor soprado para dentro que se espalha pelo corpo.

96.ª Produção do TE-ATO (Grupo-Teatro de Leiria)

Textos: JOÃO LÁZARO e NUNO GOMES

Encenação: JOÃO LÁZARO
Interpretação: ANA RITA SANTOS e MIGUEL SARREIRA
Assistente de encenação: LUCIANA FERNANDES
Cenografia: MIGUEL SARREIRA
Desenhos: ELSA NOGUEIRA

Divulgação: PEDRO ANTUNES

Apoio: Câmara Municipal de Leiria | Fundação Caixa Agrícola de Leiria

Pintor José Cândido

2012-01-07T10:45:00.000-08:00

pintor e designer José Cândido

Faleceu hoje, a 7 de JAN de 2012, o pintor e designer José Cândido, figura de importante perfil nas artes plásticas e no design de comunicação, área em que desenvolveu um trabalho notável, em simbiose com o desenho e a fotografia, não apenas na prática profissional como no âmbito pedagógico, ao assumir a cadeira nuclear da licenciatura em design na Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa. José Cândido era sobretudo um operador de grande domínio gráfico e de clara inclinação, além da pintura, para o domínio que ajudou a implantar no nosso país (colaborando na reforma artística de 76/79) e onde desenvolveu soluções inovadoras. Combateu, com Rogério Ribeiro, Luis Filipe de Abreu e o autor deste blogue, entre outros, pelo desenvolvimento e actualização do Ensino Superior Artístico, em particular na área do design de comunicação e na sua implementação em Portugal partindo da base «nula» em que nos encontrávamos, mesmo depois do 25 de Abril e contra sucessivos governos em que, nos próprios departamentos do Ministério da Educação, se desconhecia tudo sobre esta disciplina do conhecimento e se combatia mesmo a formação a nível superior de designers, como já acontecera há muito por toda a Europa.

in http://rochasousa02.blogspot.com/ por Prof Pintor Rocha de Sousa

Um cravo em sua memória

2012-01-06T04:57:00.001-08:00

O corpo vai ser velado sexta-feira na Sociedade Portuguesa de Autores (SPA) e seguirá depois para o Porto, disse a mesma fonte.

Orquestrador, chefe de orquestra, director musical, compositor, Pedro Osório, nascido em 1939, trabalhou com vários artistas do panorama nacional, nomeadamente Sérgio Godinho, Fernando Tordo, Carlos do Carmo, Carlos Paredes, Rui Veloso, Carlos Mendes, Herman José, Lúcia Moniz ou Xutos e Pontapés.

Figura regular dos Festivais RTP da Canção, que venceu várias vezes como autor e orquestrador, e autor de vários musicais dos casinos Estoril e Póvoa de Varzim, Pedro Osório optou pela carreira musical quando terminava a licenciatura em engenharia mecânica.

Entre outras distinções, em 1982, recebeu o Prémio da Crítica pela composição para a peça “Baal”, de Bertolt Brecht.

Foi dirigente do Sindicato Nacional dos Músicos e fez parte da organização do I Congresso Nacional dos Músicos em 2003. De 2003 até Janeiro de 2011 foi membro da administração da SPA, estando actualmente no grupo do fado.

Em 1994, o Presidente da República Mário Soares condecorou-o com o grau de comendador da Ordem do Infante D. Henrique, tendo recebido posteriormente a Medalha de Ouro do Concelho de Oeiras e a de Mérito da Sociedade Portuguesa de Autores.

Já este ano, o Ministério da Cultura agraciou-o com a Medalha de Mérito Cultural e o Presidente da República, Aníbal Cavaco Silva, condecorou-o com a comenda da Ordem da Liberdade.

Pedro Osório, que também se dedicava à escrita de obras de música sinfónica, algumas das quais já executadas em público, lançara recentemente o livro “Memórias irrisórias com algumas glórias”.

Lusa / SOL

JOÃO GASPAR SIMÕES

2012-01-06T04:52:00.000-08:00

JOÃO GASPAR SIMÕES, O CRÍTICO

Evocação nos 25 anos da sua morte

Foi uma das figuras mais carismáticas da crítica literária em Portugal.

João Gaspar Simões, falecido há 25 anos (que hoje se completam), mexeu forte e feio com o meio cultural português do século XX.

Pontificou durante décadas, sempre com invulgar fulgor, em numerosas publicações periódicas, sobretudo nas páginas do Diário de Notícias.

Acutilante, polémico, excessivo, bem-amado ou mal-amado, não é possível ignorá-lo. Incontestáveis a honestidade e a independência.

Num dia de confissões, declarou: «Sou o primeiro a prever a falibilidade dos meus juízos.»

REGISTO EVOCATIVO: http://www.casaldasletras.com/maria_Registos.html

Feliz Natal!

2011-12-23T01:58:00.000-08:00

Homenagem a Miguel Franco na revista Todas as Musas : Um homem sem medo não morre.

2011-11-29T01:38:00.000-08:00

capa da 1ª edição de "O Motim" de Miguel Franco

com ilustração de Francisco Relógio

“Mas eu não quis só fazer um drama, sim um drama de

outro drama, e ressuscitar Gil Vicente a ver se ressuscitava o

teatro” Almeida Garrett (Prefácio à primeira edição de Um

auto de Gil Vicente)

O Castelo de Leiria foi construído por D. Afonso Henriques como ponto estratégico na luta

contra os mouros. Tomado pelos exércitos árabes por duas vezes, em ambas foi reconquistado de

volta às linhas cristãs.

Convocadas por D. Afonso III, em 1254, foram lá reunidas as cortes que, pela primeira vez,

congregaram nobreza, clero e povo, possibilitando a participação da classe até então calada nas

decisões reais. O advento das cortes de Leiria seria conhecido posteriormente como o momento de criação do parlamento nacional português.

Durante o reinado de D. Dinis, o rei trovador, serviu de palácio real por diversas ocasiões e,

em meados de 1300, acabou sendo doado, junto com toda a povoação, à rainha santa Isabel, que

passou a morar no castelo e lá criou o herdeiro do trono, o jovem Afonso, futuro Afonso IV de

Portugal, o Bravo, tido como o primeiro grande financiador das explorações atlânticas.

Foi nesse espaço histórico e emblemático que, em junho de 1957, um ator representando o

papel de Gil Vicente dirige-se à “corte” antes da encenação de sua peça A Farsa de Inês Pereira.

Muito respeitosamente e à maneira vicentina, estando já pronto para assumir o papel de Pero

Marques, ele explica ao público o enredo da farsa que se apresentará. Esse ator era Miguel Carlos Franco, também autor do Prólogo que a personagem recitara. Dava-se ali a estreia de um texto da

lavra do autor. A mesma peça, também precedida pelo Prólogo[1], foi montada nos anos seguintes,

igualmente em espaços históricos. Em 1959, esteve nos claustros do mosteiro de Alcobaça e, em

1961, no Convento de Tomar.

Esse tipo de montagem, de uma peça teatral em espaço histórico, apesar de ser evento muito

frequente em terras portuguesas, parece ser representativo da trajetória da obra de Miguel Franco, pois a história de Portugal, em seus eventos e com suas personagens, são a maior fonte em que se alimenta a dramaturgia do autor. No Prólogo, ele encarna o pai do teatro português. Em sua grande obra, O Motim, é vemos a revolta do povo do Porto contra a criação da Companhia de Vinhos do Alto Douro. As personagens de A Legenda do cidadão Miguel Lino anseiam pela chegada das tropas francesas como libertadoras, durante a primeira invasão do século XVIII. Percebe-se claramente a história do país como a sua grande motivação dramática, embora haja alguns trabalhos seus fora desse domínio[2].

Além do exposto, há outro elemento caracterizador desse dramaturgo e ator, que seria a sua

intensa participação cultural e política.

Grande motivador cultural da cidade de Leiria, Miguel Franco foi o fundador, em 1950, do

Grupo de Teatro Miguel Leitão cujas atividades acabam por transcender a sua cidade natal com

duas participações bem-sucedidas nos concursos promovidos pelo Secretariado Nacional de

Informação. A primeira, em 21 de setembro de 1959, leva ao palco a peça Tá-Mar, de Alfredo

Cortez, que conta a história de pescadores da Nazaré. Nessa ocasião, o Grupo consegue, além do

prêmio de Melhor Drama ou Tragédia, o de melhor ensaiador para Miguel Franco. Dois anos

depois, agora no Teatro da Trindade, em Lisboa, em 24 de Setembro de 1961, com a montagem da Farsa de Inês Pereira, antecedida mais uma vez pelo Prólogo do autor, alcança-se o prémio de

melhor comédia ou farsa, além do segundo lugar para Miguel Franco novamente como melhor

ensaiador.

De volta a Leiria, os atores do grupo foram tratados como grandes estrelas. A conquista foi

fortemente sentida pela sociedade leiriense, fato que pode ser tomado como um grande motivador das manifestações culturais da cidade.

Podemos dizer que a aparição do grupo é um dos pontos altos da história do teatro de Leiria.

Já desde o nome da trupe, que homenageia importante figura do teatro leiriense, vê-se o intuito, não de criar uma manifestação nova, mas sim de ligar-se a uma tradição regional e nacional que deveria ser, na opinião de Franco, mais arrojadamente cultivada.

Miguel Joaquim Leitão, que dá nome ao grupo teatral fundado por Franco, nasceu em Leiria,

em 1815, e foi diretor do Teatro São Pedro, assim como proprietário do camarote número 1 da casa

de espetáculos. Pouca documentação existe sobre as peças que teriam sido lá encenadas e os que

foram conservados referem-se apenas a “espetáculos de declamações”. Sabemos, por outro lado,

que são vários os espaços dedicados à atividade. Além do já citado, havia o Teatro do Relego, o da

Palha e do Farelo (ou do Sebo), conforme estudo de João Cabral[3] sobre o Teatro Amador em

Leiria.

A primeira grande intervenção de Miguel Leitão teria sido a proposta de construção do

Teatro Dona Maria Pia, devido ao mau estado de conservação do Teatro São Pedro. Neste último, o

que é também indicativo de uma razoável atividade teatral na cidade, desenvolveram-se as

Sociedades Dramáticas de Leiria e a Sociedade Dramática Recreativa Leiriense.

A partir do ano de 1897, surge o Grupo Dramático Leiriense e a ele sucedem-se diversos

outros grupos teatrais amadores até a década de 1940.

Até que, em 1950, como já foi dito, é fundado o Grupo que será dirigido por Miguel Franco

e que fará, em suas primeiras encenações, mira na recuperação dos clássicos vicentinos. Franco e o grupo realizam diversas apresentações pelo país, procurando sempre os espaços abertos e/ou

históricos para suas montagens. Miguel Franco e o grupo sentem efetivamente pela primeira vez o peso das relações do mundo artístico com o regime salazarista e sua atuação censória ao tentarem encenar a peça O Duelo, de Bernardo Santareno. Estando já com a cenografia e os figurinos completos e pronta para ir à cena, volta o requerimento de apresentação com a negativa da censura. A montagem é proibida antes de sua estreia e nunca irá ao palco com o Grupo Miguel Leitão.

Ainda jovem, Miguel Franco assumiu cargo diretivo do Ateneu Desportivo de Leiria,

associação a que levaria personalidades importantes da cultura e da literatura portuguesa. Nos

eventos, chamados de “Conversas de Sexta-Feira à noite”, estiveram ministrando palestras, além de Bernardo Santareno, amigo pessoal de Franco, Rogério Paulo, Luis Francisco Rebello e Vitorino Nemésio.

Mais tarde, já em 1972, viria a organizar também os “Festivais de Artes de Leiria”, cujo

ponto alto seria a montagem do encenador brasileiro Luiz Tito para a tragédia de Ésquilo, Os

Persas, mais uma vez no Castelo de Leiria.

Enfim, resumindo o que se apresentou até aqui, um agitador cultural. Homem alegre,descontraído e espontâneo no convívio, mas rigoroso em seu trabalho, tinha uma concepção de teatro como algo que não se pode distanciar de uma atitude quase instintiva de escrever e de

encenar. Definia-se como alheio a frases preconcebidas, alinhadas e de efeitos empolgantes. Falava de teatro como de uma necessidade, como um imperativo de todos os homens em torno da comunicação. Possivelmente, toda a experiência que tinha com as teorias teatrais, até então, vinha da prática de ator e do contato com outros encenadores por quem foi dirigido nas inúmeras

montagens teatrais de que participou quando jovem. Não obstante isso, mais tarde, como veremos

em momento oportuno, uma de suas obras traz uma citação do Teatro político, de Erwin Piscator.

Concebia sua relação com o teatro como um impulso, como uma possessão.

Dessa aptidão, que nasce para unir o teatro ao desejo de esclarecimento e de comunicação

inerente aos homens, vem a relação também com a história. Miguel Franco tenciona a percepção do fato histórico como um acidente que deixará sempre marcas nas sociedades vindouras, no

comportamento humano e nas instituições e, talvez por esse motivo, valha a pena ser revisitado.

Além disso, acreditava que a arte deveria estar continuamente próxima do povo. Sempre

insatisfeito, julgava que o teatro deveria ir à busca do público, organizando espetáculos que fossem, ao mesmo tempo, de entendimento popular, mas que também operassem como ferramenta para elevar a um outro patamar a sua percepção. Ou seja, um teatro que fosse um instrumento didático, função maior do gênero para o autor. Crítico contumaz do alargado distanciamento que se faz entre intelectuais e povo, Franco descrevia a população portuguesa como uma multidão cada vez mais distanciada e perdida daqueles que a deviam conduzir. E, ainda segundo ele, como a culpa nunca era do povo, a missão de resgate e reconciliação era dos intelectuais e dos homens da cultura.

Como se pode perceber, um posicionamento, em relação à educação cultural do povo, muito

semelhante à de Lênin. O líder comunista sustentava que o verdadeiro conhecimento precisa ser

ensinado ao proletário pelos intelectuais revolucionários, ao contrário de outros pensadores

marxistas, como Lukács por exemplo, que acreditava ser possível o aparecimento de uma

verdadeira consciência dentro da própria trabalhadora (FREDERICO, 1997).

Com todos esses elementos em mente, nasce a sua maior e mais controversa obra, O Motim,

baseado nos episódios da criação da Companhia de Vinhos do Alto Douro.

No dia 2 de dezembro de 1964, o Teatro Nacional D. Maria II[4] é consumido por um

incêndio de grandes proporções. Inutilizado pelo fogo, o teatro é abandonado pela Companhia

Amélia Rey Colaço–Robles Monteiro que prevê a estreia da temporada de 1965 para Fevereiro,

agora no Teatro Avenida.

O prédio do Avenida é reformado e recebe elogios por parte da imprensa especializada da

época. Uma sala de espetáculos confortável e bem decorada, vigiada pelo busto de Almeida Garrett, que o incêndio do Nacional não conseguira consumir, onde se lia uma faixa com a afirmação: “O Nacional continua”.

Escolheu-se um original português para a abertura da temporada. O primeiro aprovado pelo

Conselho de Leitura do Teatro Nacional foi a peça tida como estreia profissional do dramaturgo

Miguel Franco, já conhecido pelos lisboetas devido às passagens pela cidade com o teatro amador.

Faz-se a noite de abertura em um sábado, 6 de Fevereiro de 1965. Dirigido por Pedro

Lemos, com figurinos e cenários de José Barbosa e com os principais atores da Companhia

Nacional, além da numerosa figuração requerida pelo texto, sobe ao palco o primeiro trabalho

profissional de Miguel Franco nos teatros da capital do país.

Para a estreia da temporada, estavam presentes importantes homens do governo português,

posto que fosse este um dos grandes responsáveis pelo financiamento da reforma do Teatro

Avenida. Via-se na plateia, além do presidente Américo Tomás[5] e sua esposa, os ministros da

Educação Nacional e das Corporações e ainda aquele que seria, futuramente, o sucessor político de Oliveira Salazar, o professor Marcello Caetano.

Lida a efeméride que abre o texto de Franco, a ação da peça transcorre em três atos bastante

delimitados no que toca ao enredo. Em um primeiro, apresentam-se as personagens e os conflitos

principais. Algumas personagens fazem a descrição do que teria sido o motim, que acabara de

ocorrer, pelo ponto de vista das personagens das classes mais baixas e dos comerciantes do Porto. O clima é de festa, pois até o momento o povo parece ter conseguido o que queria, o fim do

monopólio da Companhia sobre a venda dos vinhos produzidos pelos vinicultores da região.

No segundo ato, começam as consequências pelo levante. Por ordem de Sebastião José de

Carvalho, está instalada uma alçada no Porto para interrogatório e julgamento dos amotinados. Há uma grande centralização do poder nas mãos do cruel escrivão José Mascarenhas, filho do

presidente do tribunal, João Pacheco Pereira Vasconcelos. Alguns acusados são interrogados de

forma brutal e outros são mesmo torturados.

No terceiro e último ato, os condenados aguardam a execução e o clima, lúgubre e funesto,

em nada mais lembra os festivos homens do primeiro ato. São feitas referências a um “mundo ao

contrário” e ao homem como “coisa com razão”, assim como ao destino dos que não se sujeitam ao poder totalitário. A peça termina com uma espécie de aforismo, que conclama a resistência: “Um homem sem medo não morre!” (FRANCO, 1965, p. 142).

No dia posterior, os jornais fizeram extensa louvação às performances dos atores, do

encenador e ao texto de Miguel Franco, que foi chamado ao palco e recebeu os aplausos junto com a direção da companhia, na pessoa de Amélia Rey Colaço. Entre os atores mais citados pelas

colunas dedicadas ao teatro dos periódicos estão Raul de Carvalho, como Tomas Pinto “cheio de

vibração e de grandeza de alma”; Varela Silva, como a “violenta personagem do Dr. José

Mascarenhas” ; Manuel Correia, como o Profeta, “um velho ébrio cheio de humanidade”; e, o mais enaltecido, Canto e Castro, como o Advogado Nicolau Araújo, que chega a ser aplaudido em cena aberta.

Ressalvando-se algumas críticas à “tessitura dramática” ou à encenação de Pedro Lemos, as

expressões são uniformes em transmitir o êxito da apresentação. “Uma noite para entrar para a

história do teatro” e “aplauso unânime”, pelo Diário da Manhã. Um evento “destinado a um

grande êxito de bilheteria”, conforme o Diário de Lisboa. Na coluna “Teatro Português”, descrevese a apresentação como um “conjunto muito elevado”, que mereceu “muitos e demorados aplausos”. Alguns dias depois, Antonio Augusto Menano, em sua coluna “Leitura de Teatro”, no Jornal de Notícias, da cidade do Porto concede a Miguel Franco “um lugar na primeira fila dos nossos dramaturgos contemporâneos”.

J. Reis, na coluna “Primeiras Representações”, elogia como “um espetáculo digno; (que)

certamente vai chamar público novo ao Avenida e agradar aos habituais frequentadores”. Em outra das colunas, o jornalista divulga: “O Motim representa-se todas as noites às 21 e 45, realizando-se no sábado a primeira tarde a preços reduzidos”.

No entanto, nem essa próxima apresentação, prometida a preços módicos, chegou a ser feita,

nem o “novo público” teve muitas oportunidades de ver a peça, pois, quatro dias depois, as

apresentações foram brutalmente suspensas.

Tempos depois, um bilheteiro do teatro Avenida contaria a Miguel Franco que, ao fim do

espetáculo, o Presidente Tomás e os ministros de estado desciam a estreita escadaria que vinha dos camarotes quando Marcello Caetano disparou: “Então agora o governo subsidia motins?!”.

Às 14 horas do que seria o quinto dia de apresentações, sob o testemunho de atores que

chegavam ao trabalho e de espectadores que aguardavam a abertura das bilheterias, a P.I.D.E.

invadiu a casa de espetáculos, intimou os bilheteiros a suspenderem a abertura dos guichês, rasgou e confiscou os cartazes da peça.

Tornava-se claro que o conflito do tempo histórico da peça acabava por desvelar outros

conflitos que, mesmo estando parcialmente sufocados, fremiam por vir à superfície. Forçoso dizer

que os interrogatórios conduzidos pelo desumano escrivão da alçada assemelhavam-se por demasia aos atrozes inquéritos da P.I.D.E., assim como a situação da população portuense do século XVIII, calada pelos emissários de Sebastião de Carvalho, aproximava-se muito da situação vivida pela plateia portuguesa na segunda metade do século XX.

Já de volta a casa, Miguel Franco recebe o telefonema da empresária do Nacional que

solicitava sua presença com urgência em Lisboa, para tentar, junto às instâncias oficiais, remediar a proibição. Porém, os mecanismos da censura estavam em desacordo. A peça, apesar de ter sido aprovada pelo Conselho de Leitura do Teatro Nacional, órgão independente da censura, estava agora proibida pela Censura Teatral e nada a faria voltar ao palco do Nacional ou do Avenida. Caia então, pela segunda vez e mais pesadamente, a repressão sobre a arte de Miguel Franco. O próprio teatro foi fechado, sob o pretexto de que faltava ainda concluir as obras, e O Motim não mais voltaria ao Avenida.

A proibição foi profundamente sentida também pelos homens da cultura e da resistência ao

totalitarismo salazarista. Um protesto por escrito é dirigido ao Ministro da Educação Nacional, em que, citando Almeida Garrett, afirma-se o teatro como índice do nível cultural de um povo e pede-se a “imediata abolição das restrições que pesam sobre Teatro Português” (Rebello, 1977, p. 162).

Assinam o protesto mais de cem pessoas e entre os nomes mais conhecidos estão os de Luiz

Francisco Rebello, Sttau Monteiro, Bernardo Santareno, José Cardoso Pires, Alves Redol, Rogério Paulo, Romeu Correia, Mário Soares, Natália Correia, Sophia de Melo Breyner Andresen, Álvaro

Salema, Maria Teresa Horta, João Gaspar Simões, Alexandre Pinheiro Torres, Carlos de Oliveira,

além do próprio Franco[6].

Nesse mesmo ano, a SPA foi fechada e teve a sua sede depredada pela P.I.D.E. por atribuir a

José Luandino Vieira escritor e ativista angolano, preso em Cabo Verde, o Prêmio Camilo Castelo

Branco.

Dias depois, no periódico Correio de Nisa, Ruy Miguel fala em sua crônica, não mais sobre

a peça, mas sobre o texto de Franco. Era fato prosaico, uma peça ter a sua representação proibida,mas poder ser lida livremente[7]. Percebe-se ali uma forma de discordar da proibição d a peça por meio de uma adesão ao ilusionismo histórico proposto pela obra. Segundo o jornalista, o que se veria no texto seria apenas história, no passado, e, mesmo assim, o que ela nos diz é que um homem abusou da confiança nele depositada pelo governo. Mais elogios à “teatralização perfeita de um clima dramático”, mas apenas isso. E a peça demoraria mais vinte anos para voltar à cena.

A partir da década de 60, Miguel Franco envereda pela carreira de ator cinematográfico e faz

diversas participações no cinema, várias delas em adaptações de romances neorrealistas. Estão em sua filmografia os filmes Crime da Aldeia Velha (1964) e O trigo e o joio (1965), ambos de

Manuel Guimarães; Domingo à tarde, de Antonio Macedo (1966); O cerco, de Antonio da Cunha

Telles (1970); Lotação esgotada, de Manuel Antonio (1972); A fuga, de Luis Felipe Rocha (1976);

O rei das berlengas (1978) e Manhã submersa (1980) ambos de Lauro Antonio e Vidas,

novamente com Antonio da Cunha Telles (1984).

Em 1973, Franco trabalha na publicação de A legenda do cidadão Miguel Lino, que recebe

o Prêmio Almeida Garrett, do Ateneu Comercial do Porto. A peça é publicada pela Editora Inova,

em uma coleção intitulada “Teatro para as Quatro Estações”, e recebe boas resenhas em periódicos e revistas, mas não chega a ver o palco. O TEP, Teatro Experimental do Porto, por duas vezes tenta a liberação da encenação, mas em vão. Amélia Rey Colaço tenta também a aprovação da peça para levá-la ao palco do Teatro Capitólio (o Avenida ruíra já em 1967, como o Nacional, sob as chamas de outro incêndio), mas nada alcança.

A legenda do cidadão Miguel Lino, peça que havia sido composta em 1969 e publicada em

1973, precisará esperar o 25 de Abril para subir à cena. Só em 1975, com a encenação de Herlander Peyroteo a peça será apresentada no Teatro Maria Matos[8].

A peça, além de fazer homenagem a personagens da infância de Franco, como o tocador de

ocarina chamado Cecílio[9], trata de um período bastante conturbado da história portuguesa, como já se disse, o das invasões francesas, no século XVIII.

Na página de frontispício, é reproduzida uma das páginas escritas por Erwin Piscator, autor

de Teatro Político[10] e ela delata as intenções da peça e, certamente, de todo o teatro de Miguel

Franco:

A missão do teatro de hoje não pode consistir apenas em relatar

acontecimentos históricos apresentados tal e qual. Deve tirar desses

acontecimentos lições válidas para o presente, adquirir um valor de

advertência mostrando relações políticas e sociais fundamentalmente

verdadeiras e, tentar assim, na medida de suas forças, intervir no curso da

história (PISCATOR apud FRANCO, 1973, p.1).

Piscator, diretor e produtor judeu alemão nascido em 1893, parece exercer papel

fundamental na concepção teatral de Franco e, por conta disso, voltaremos a estudá-lo no capítulo II desse trabalho.

Luiz Francisco Rebello, na Revista Colóquio Letras, fala da grandeza do drama composto

por Miguel Franco, nos seguintes termos: “dos mais ricos e apaixonantes da nossa literatura

dramática contemporânea, não só pela urgência do tema como pelas suas virtualidades cênicas”

[11]. Mais uma vez, como já dissera o próprio Rebello, teatro para ser lido, mas, de acordo com a

censura, impossível de ser encenado.

Além dessas obras históricas, Franco trabalhou também em outras. Algumas delas

terminadas outras que ficaram por finalizar, outras ainda que ficaram nos primeiros rascunhos.

Publicada em 1974, pela Sociedade Portuguesa de Autores, temos Uma visita muito breve,

peça de teatro em um ato, que, com a presença do autor foi encenada na Escola Secundária

Domingos Sequeira, na cidade de Leiria, onde Franco havia estudado, a então Escola Industrial e

Comercial de Leiria.

Já em 1980, sai pela Moraes Editores, O capitão de navios, com o subtítulo de teatro de

divertimento em 3 atos. É de se destacar nessa composição, a presença de um personagem

“Narrador”, remetendo a um componente do teatro épico brechtiano. O capitão de navios mereceu menção de Carlos Porto. Apesar de já findo há anos o salazarismo, a reclamação de Porto no artigo em que procura fazer um balanço do teatro no ano de 1980, assemelha-se muito às antigas queixas: ainda que muitas peças tenham sido escritas, poucas estão sendo encenadas. Além da peça de Franco, a que chama de comédia de costumes, o autor comenta peças de Romeu Correia, Jaime Gralheiro, José Abelaira e José Cardoso Pires[12]. Miguel Franco cultivou também a poesia e as narrativas curtas. Sua obra poética publicada resume-se ao volume de Quinta-Feira e outros Poemas, de 1962, publicado pela Coimbra Editora.

Ao contrário do que poderíamos esperar, seus poemas não são panfletários ou diretamente

políticos, embora haja alguns mais diretos, como o que poema “Estoico” que lembra as falas do

personagem de O Motim. Nesse poema, o eu-lírico ordena: “Não chores nunca, rapaz! / Se a ferida é funda, aguenta / Que o chorar só acrescenta / E aumenta / A fraqueza que isso faz!”[13]. Hátambém poemas do cotidiano, de desilusão amorosa e metapoemas, que comentaremos no próximo subcapítulo, dedicado a um panorama da obra de Miguel Franco.

Mas a vida de O Motim ainda não estava encerrada. Em, pelo menos, três grandes ocasiões

ainda voltar-se-ia a fazer reverência à coragem do texto de Franco.

Após o 25 de Abril, os jornais de Lisboa publicam integralmente um comunicado de Amélia

Rey Colaço, em que ela anuncia a participação da Companhia em um movimento de “renascer do

Teatro Português das cinzas da censura”. Essa participação se materializaria por meio de um

“desagravo” dirigido a todos os atores que, durante os anos de ditadura, passaram pela companhia e

foram prejudicados pelo autoritarismo do governo, à própria Companhia Rey Colaço – Robles

Monteiro, aos homens que oficialmente haviam autorizado a encenação de uma peça, depois

retirada brutalmente de cartaz, e, principalmente, ao autor da uma peça, de “valor incontestável” injustamente perseguido e censurado.

Amélia Rey Colaço cita no comunicado uma dezena de peças para as quais propusera

sistematicamente a montagem, mas sempre lhe fora negada a possibilidade. Entre as proibidas, ela destaca duas de Brecht, duas de Bernardo Santareno, além de outras de Stau Monteiro e Natália Correia. Porém, nesse momento de abertura política, em que assumia a direção do país a Junta de Salvação Nacional, a Companhia escolhe levar ao palco a emblemática voz daqueles que se recusaram a calar diante dos arbítrios do poder totalitário. Pouco mais de um mês após a Revolução dos Cravos, voltava ao palco O Motim, de Miguel Franco.

Em Agosto de 1975, um segundo projeto leva a peça de Franco a um público muito mais

amplo que o do teatro. A divisão de Teatro da RTP do Norte, nas mãos do realizador e membro do Teatro Experimental do Porto, Correia Alves, encena um teleteatro com o texto de O Motim. A escolha do texto de Franco se deu por duas razões, segundo o diretor. Primeiro, por ser assunto do Porto, segundo por ser “muito atual, pois sendo uma coisa que se passou há duzentos anos, é um assunto que ainda não está resolvido (...) é um grito do povo contra as coisas estabelecidas e que estão erradas” [14].

E, por fim, em 15 de julho de 1985, quase vinte anos depois dos vergonhosos

acontecimentos que sucederam a estreia de O Motim, no Teatro Avenida, a peça volta a ser

encenada por ocasião das homenagens prestadas a Miguel Franco, em Leiria.

A Câmara Municipal, considerando justa a homenagem a um homem que prestou grandes

serviços à cultura da cidade, planeja uma série de eventos ligados à vida, à obra e às contribuições de Franco à cultura leiriense e portuguesa.

Entre os dias 7 e 31 de julho de 1985, no teatro José Lúcio da Silva, com entradas francas,

sempre às 18h e 30 min, são projetados os filmes dos quais Franco participara como ator. São

apresentados os filmes Domingo à tarde, O cerco, O rei das Berlengas, Manhã submersa, A

culpa e Vidas. Uma exposição sobre as relações de Franco com a sua cidade é organizada no átrio

do mesmo teatro.

Já na sala de conferências da Região de Turismo de Leiria, são apresentadas várias palestras

que versam sobre Miguel Franco. Os diretores dos filmes acima referidos, Antonio Cunha Telles,

Antonio Campos e Lauro Antonio realizam uma conferência sobre O cinema português

contemporâneo, tendo João Guerreiro como moderador.

Com a participação do crítico, dramaturgo e tradutor teatral, Carlos Porto; do crítico,

escritor, encenador e professor Jorge Listopad e do ator Mario Jacques, membro da Companhia doTeatro Nacional que encenara O Motim, no Avenida, em 1965 uma outra conferência tratava dopapel de Miguel Franco na dramaturgia portuguesa.

Por fim, relevantes nomes do teatro português amador e profissional conferenciaram sobre o

papel de Franco como animador cultural. O próprio dramaturgo participou dessa última conferência.

Mesmo o Jornal de Leiria dedicou uma edição única e especial aos eventos de julho de

1985, em que se destacam comunicados de Luiz Francisco Rebello, Jorge Listopad, José Valentim

Lemos, além de uma entrevista que Franco concedeu a João Guerreiro e os relatos de Carlos

Fragateiro sobre a encenação de O Motim.

Em 1985, como num eterno retorno, um texto de Miguel Franco volta ao mesmo espaço da

Igreja da Pena, no Castelo de Leiria. Esse seria, sem dúvida, o ponto alto das homenagens ao

dramaturgo leiriense. Em montagem do TELA, Teatro Experimental de Leiria, sob a direção

artística de Carlos Fragateiro, que viria a ser diretor do D. Maria II e é atualmente professor da

Universidade de Aveiro, O Motim volta ao palco, dessa vez na cidade natal de seu autor. Interessa ressaltar que a menção de Fragateiro ao texto, no Jornal de Leiria, traz mais uma vez, a questão da história como elemento didático e representativo do presente, pois, diz o diretor que, hoje, “novos Mascarenhas constroem, custe a quem custar, novas teias” semelhantes às construídas no passado.

Assim como o teatro de Franco voltava a Leiria, o enredo da sua mais importante peça

voltava a assumir novos significados, ainda que à revelia de seu autor. Perceber esse “eterno

retorno” é, como que, uma maneira de aprender com o passado, e essa é uma das propostas do

teatro de Miguel Franco.

Nessa última montagem, assiste-se, em derradeira oportunidade, a participação de Miguel

Franco como a personagem José Fernandes da Silva, o Juiz do Povo, alcunhado de “Lisboa”.

Completava-se assim parte da história desse leiriense, nascido em 14 de abril de 1918.

Trajetória repleta de ação cultural, mas também de participação política, por certo, em muitas

oportunidades, elementos indissociáveis.

Irmão mais novo de um membro do núcleo clandestino de implantação da república, Franco

fez parte do Grupo de Apoio ao Partido Comunista, organização estruturada de combate clandestino ao regime salazarista. Foi membro também da SEDES (Associação para o Desenvolvimento Econômico e Social), esperando que Marcelo Caetano tivesse a força necessária para, formando um governo de centro, acabar com o fascismo. Porém, com o desgosto da guerra colonial, rapidamente se desencantou com a organização. Participou ainda do Movimento Democrático Português, ligado ao Partido Comunista e, depois da revolução, ao Partido Socialista.

Além disso, um humanista, no sentido de um homem voltado ao espírito literário e

democrático que auto intitulava-se “ateu militante de combate”, apesar de privar de excelentes

relações com o clero de Leiria, a quem dizia que “no dia em que começasse a ser crente, era o

‘sinal’ da existência de Deus”.

Franco veio a falecer em 19 de Fevereiro de 1988, em Queluz. Em 2003, ao equipamento

cultural construído na cidade de Leiria é dado o nome de Teatro Miguel Franco.

Nessas anotações biográficas, estão resumidos os motes que impulsionam a vida de Franco,

não só como dramaturgo e ator, mas também como cidadão: a cultura é parte integrante e

indispensável na vida de um país, mas que ela seja, sempre, motivada e pautada pela realidade

social e histórica, que nela encontre o seu ponto de partida, mas que a ela volte e lá interfira e,

assim, contribua com a sua evolução. Sem dúvida um homem de teatro, talvez não na acepção

ordinária do termo, designando um profissional da categoria ou estudioso da dramaturgia. Mas sim um homem que não conseguia se ver sem o teatro, nem conseguiria reconhecer um país sem ele, embora tenha sofrido, como que parafraseando Garrett, a ausência de civilização necessária ao seu desenvolvimento.

Bibliografia

FRANCO, Miguel. Quinta-Feira e outros poemas. Coimbra: Editora Coimbra, 1962.

FRANCO, Miguel. O Motim. 2º edição. Lisboa: Europa-América, 1965.

FREDERICO, Celso. Lukács, um clássico do século XX. São Paulo: Moderna, 1997.

PORTO, Carlos. O teatro desde a presença. In.: LOPES, Oscar; MARINHO, Maria de Fátima (dir.).

História da Literatura Portuguesa. Lisboa: Alfa, 2002, v. 7, p. 556 a 573.

PORTO, Carlos. “Balanço do ano literário de 1980 em Portugal / O texto teatral”. In: Revista

Colóquio/Letras. Balanço, n.º 60, Mar. 1981, p. 46-51.

REBELLO. Luis Francisco. Combate por um teatro de combate. Lisboa: Seara Nova, 1977.

REBELLO, Luiz Francisco. “Recensão crítica a Legenda do Cidadão Miguel Lino, de Miguel

Franco” In: Revista Colóquio/Letras. Recensões Críticas, n.º 16, Nov. 1973, p. 83-84.

REBELLO, Luiz Francisco. 100 anos de Teatro Português (1880-1980). Porto: Brasília Editora,

1984.

FONTES:

Todas as informações sobre Miguel Franco foram conseguidas por meio de entrevista com Maria João Franco e nos recortes dos jornais abaixo (alguns de difícil identificação), pertencentes ao espólio do autor, guardado por sua filha, além do sítio virtual

http://miguel-lino.blogspot.com/ gerenciado também por Maria João Franco.

Havendo concordância, a entrevista e os recortes deverão compor os anexos da tese.

Jornal de Leiria (Julho de 1985)

Entrevista a Carlos Benigno da Cruz (23 de Maio de 1974)

Diário de Lisboa (16 de Setembro de 1975)

Diário de Notícias (1985)

Região de Leiria (Julho de 1985)

Jornal de Artes e Letras (31 de Março de 1965)

Comércio do Porto (Março de 1965)

Tele-semana de Lisboa (22 de agosto de 1975)

Diário de Lisboa (17 de fevereiro de 1972)

Vida Ribatejana (Maio de 1973)

Região de Leiria (Maio de 1973)

Correio de Nisa (15 de maio de 1965)

Região de Leiria (21 de setembro de 1990)

Diário da Manhã (Fevereiro de 1965)

Diário da Manhã (7 de Fevereiro de 1965)

Jornal de Notícias do Porto (01 de Maio de 1965)

Diário de Lisboa (7 de Fevereiro de 1965)

Diário Popular (3 de Fevereiro de 1972)

Diário do Ribatejo (1 de Maio de 1973)

Diário de Lisboa (1965)

[1] Esse prólogo foi intitulado “Fala de Gil Vicente a El-rey Dom João III e a Rainha Dona Caterina

sua esposa em prólogo da representaçam da sua farsa de folgar Inês Pereira estando a corte em

Leiria no verão de 1526”.

[2] Uma apresentação mais detida das obras de Miguel Franco será feita no próximo subcapítulo.

[3] CABRAL, João. O teatro amador em Leiria. Leiria: Assembléia distrital, 1980.

[4] Por muito tempo, “o Teatro Nacional foi gerido por sociedades de artistas que, por concurso, se habilitavam à sua gestão. A mais duradoura foi a de Amélia Rey Colaço / Robles Monteiro que

permaneceu no teatro de 1929 a 1964. Em 1964, o Teatro Nacional foi ‘palco’ de um brutal incêndio que apenas poupou as paredes exteriores. O edifício que hoje conhecemos, e que respeita o original estilo neoclássico, foi totalmente reconstruído e só em 1978 reabriu as suas portas.”

(http://www.teatro-dmaria.pt/Teatro/Historia.aspx)

[5] Américo de Deus Rodrigues Tomás, da União Nacional, foi o último presidente (chefe de

Estado) do Estado Novo Português, derrubado pela Revolução de 25 de Abril de 1974.

[6] Voltaremos a mencionar esse protesto no subcapítulo seguinte, assim como a atuação da Sociedade Portuguesa de Autores na luta contra a censura em Portugal.

[7] Esse fato é mencionado por Rebello (1977, p. 21): “todos os anos se publicam (...) peças de alto

nível artístico, às quais é todavia sistematicamente recusado o acesso ao palco”.

[8] A construção do Teatro decorreu entre 1963 e 1969, com um projeto da autoria do Arquiteto

Barros da Fonseca e abriu as suas portas a 22 de Outubro de 1969. Em 1982, o teatro foi adquirido pela Câmara Municipal de Lisboa. (http://www.teatromariamatos.pt/gca/?id=21)

[9] Referência ao Cecílio Flor, que aparece nos contos inéditos e não datados do autor.

[10] Publicado no Brasil pela Civilização Brasileira em 1968.

[11] REBELLO, Luiz Francisco. “Recensão crítica a Legenda do Cidadão Miguel Lino, de Miguel

Franco” In: Revista Colóquio/Letras. Recensões Críticas, n.º 16, Nov. 1973, p. 83-84.

[12] PORTO, Carlos. “Balanço do ano literário de 1980 em Portugal / O texto teatral”. In: Revista

Colóquio/Letras. Balanço, n.º 60, Mar. 1981, p. 46-51.

[13] FRANCO, Miguel. Quinta-Feira e outros poemas. Editora Coimbra, Coimbra: 1962, p. 50.

[14] Entrevista de Correia Alves a A.S. do periódico Tele-Semana, de 22 de agosto de 1975.

Do “real” ao “ficcional”: O motim de Miguel Franco

From “real” to the “fictional”: O motim by Miguel Franco

Graça Maria Teixeira

Resumo: Através do drama-histórico O motim, Miguel Franco, dramaturgo português, entretece

o factual e o ficcional, criando uma parábola que, pela sua mensagem, seria alvo da censura do

Estado Novo, só subindo aos palcos livremente após a Revolução de 1974. Neste artigo,

analisamos a presença da História nesta ficção e o significado desta no Portugal dos anos 60.

Palavras-Chave: Teatro português, drama-histórico, censura.

Abstract: In The Riot, an historical drama written by Miguel Franco, this Portuguese writer

combines facts and fiction by creating a parable forbidden by censorship in the 60s and only

acted after the Revolution of 1974.In this article, we analyze the presence of the historical facts

in this play as well as its meaning in the Portuguese society of the 60s.

Keywords: Portuguese Theatre, historical drama, censorship.

Na história da dramaturgia portuguesa podemos constatar que vários

foram os autores que visando passar uma mensagem política, social, religiosa

ou de qualquer outra natureza, o fizeram recorrendo ao chamado “drama

histórico”. Porém este conceito encerra um certo paradoxo, ao remeter para

áreas tão diferentes quanto o ficcional (drama) e o factual (histórico). Como

Ana Vasconcelos refere, esta situação dúbia “resulta da confluência de duas

componentes – História e Literatura – que, à partida, parecem situar-se em

esferas, se não opostas, pelo menos de difícil articulação” (2002: 101). Tal não

nos parece ter sido o caso da obra que iremos focar neste nosso trabalho. O

autor em questão, e sobre o qual nos iremos debruçar, soube, com mestria,

articular o factual e o ficcional, (re)criando um acontecimento histórico, que, no

Portugal de 60, marcaria a diferença pela consciencialização política e social

de que se fez mensageiro.

Comecemos por fixar alguns detalhes biográficos de Miguel Carlos

Franco, mais conhecido por Miguel Franco (1918-1987). Nascido em Leiria,

então uma pequena cidade de província, nela exerceria a sua profissão de

gerente comercial, a par das suas atividades de homem de cultura, contista,

ensaiador, dramaturgo, ator, e diretor artístico. Desde cedo se distinguiu nas

letras e, ainda aluno da Escola Comercial e Industrial de Leiria, já se fazia

notar pelos seus dotes de escrita. Mas foi logo em criança que, nos largos da

sua cidade, assistindo aos espetáculos circenses de companhias ambulantes,

o gosto pelo palco se manifestou. A sua rua era o cenário ideal para a

companhia que aos oito ou nove anos de idade já criara, recorrendo aos

amigos para com eles “apresentar” números de teatro, fantoches e circo. Em

adolescente, e tendo-lhe sido reconhecidas características que fariam dele um

“homem de teatro”, foi levado a ingressar num grupo amador existente num

bairro periférico da cidade, onde desde logo se revelou como ator, chegando a

diretor artístico.

A atividade na área do teatro viria pois a consolidar-se em Leiria,

através da entrada para o Grupo Dramático Miguel Joaquim Leitão e, mais

tarde, para o Grupo de Teatro Miguel Leitão (ambos de teatro amador), no qual

colabora durante trinta anos, arrecadando vários prémios.

Numa cidade de cariz provinciano, muito fechada, onde ainda se

respirava muito do ambiente descrito por Eça n‘O Crime do Padre Amaro,

Miguel Franco toma a seu cargo a dinamização de várias iniciativas culturais,

devendo-lhe Leiria muito dos seus períodos áureos de atividade teatral.

Destacamos, como exemplo, em 1972 os Festivais de Arte de Leiria. No seu

âmbito, conseguiu levar à cena a peça de Ésquilo, Os Persas, tendo por

cenário o magnífico castelo medieval da urbe, um dos mais belos da Europa

(nesse local, levaria, mais tarde, com grande sucesso, uma peça vicentina).

Em 1973, já no espaço do novíssimo Teatro José Lúcio da Silva, edifício

oferecido ao município por este benemérito comendador leiriense, emigrado no

Brasil. Miguel Franco apresentou então, a partir de uma peça de Strindberg,

remodelada e atualizada, o texto A Dança da Morte em Doze Assaltos. Em

1974, dirigiu a companhia Os Bonecreiros – Teatro Laboratório de Lisboa na

peça A Mosqueta, do italiano Ruzanté. Em Maio desse mesmo ano, seria a vez

de apresentar História do Jardim Zoológico de Edward Albee, e já após Abril de

74, faria subir ao palco a peça de B. Brecht, O Terror e a Miséria do III Reich,

resultado da sua colaboração na companhia do Teatro da Cornucópia, uma

companhia de teatro experimental de Lisboa. Para além do teatro, muitas

foram as atividades culturais promovidas por Miguel Franco a bem da sua

cidade. Lembramo-nos, por exemplo, de um notável ciclo de “Conversas”, para

o qual convidou nomes bem conhecidos: Vitorino Nemésio, David Mourão

Ferreira, José Augusto-França, entre outros.

O apelo da sétima arte também se fez sentir e, em 1963, estreia-se

em duas curtas-metragens onde ensaia os seus dotes de ator cinamatográfico.

Após essa “experiência”, iniciou uma série de presenças em filmes nacionais e

estrangeiros, dos quais citamos apenas alguns: 1963, O Crime da Aldeia Velha

de Manuel de Guimarães; em 1964, Triângulo Circular de Pierre Kast; em

1965, Domingo à Tarde de António Macedo (filme levado ao Festival de

Berlim); em 1966, Uma Abelha na Chuva de Fernando Lopes; em 1970, O

Cerco de António da Cunha Telles (filme presente a concurso nos festivais de

Cannes e de San Sebastian, com Miguel Franco no principal papel masculino);

em 1978/9, Manhã Submersa de Lauro António (da obra homónima de Vergílio

Ferreira); em 1983, Vidas de A. Cunha Telles.

Vivendo em Leiria procurava frequentemente Lisboa, onde se

encontrava com pessoas de renome ligadas às letras – Bernardo Santareno,

Luís Francisco Rebello, Romeu Correia, Urbano Tavares Rodrigues, e muitos

outros. Acompanhava-os em palestras e mesas-redondas, falando,

naturalmente, de teatro. Em março de 1970 está presente na reunião para a

elaboração do projeto dos estatutos de uma futura associação portuguesa de

escritores, junto com o escritor e jornalista Sousa Tavares, o romancista Carlos

Oliveira, o intelectual António Quadros, sob a presidência de Luís Francisco

Rebello, acompanhado do futuro Nobel José Saramago, e do académico Óscar

Lopes. Mais tarde, em janeiro de 1974, entra para a Comissão Cultural

Literária, já como elemento ativo da SPA – Sociedade Portuguesa de Autores.

Da obra de Miguel Franco temos notícia de uma comédia regional

inédita, datada de 1948, intitulada Rosa Benedita. Já em 1957, escreve um

texto “em redondilha de sabor vicentino” que o autor denominaria de Prólogo, e

que antecedia as representações da Farsa de Inês Pereira, de Gil Vicente,

incluída no repertório do Grupo de Teatro Miguel Leitão. Aliás, o fundador do

teatro português inspiraria Miguel Franco e levá-lo-ia, nas suas próprias

palavras, a procurar “essa resina que escorre, seivosa e corada, dos

saborosos autos de Gil Vicente”. Em 1962 faz uma incursão pela poesia, tendo

chegado até nós o livro Quinta feira e outros poemas, em edição do autor, cuja

temática remetia em grande parte para o mar, a mulher e a cidade. Seria, no

entanto, em 1963, com a publicação da obra a que adiante nos referiremos

com mais detalhe, O motim, que alcançaria uma projeção nacional,

consolidada, dois anos mais tarde, com a peça Legenda do Cidadão Miguel

Lino, objeto do prémio Almeida Garrett, atribuído pelo Ateneu Comercial do

Porto. Nela volta a uma temática de cariz histórico, pouco trabalhada na nossa

dramaturgia nacional: as invasões francesas.

Publicou, em 1974, Visita muito breve, peça em um ato, difundida pela

então Emissora Nacional que versava a problemática da emigração. Inédita

permanece ainda a sua peça Capitão Durand e, de uma encomenda da

Secretaria de Estado da Cultura viria a resultar, nos inícios de 1979, e ainda

para a Rádio, a peça O Capitão de Navios, considerando-a Miguel Franco

apenas “uma peça para divertimento”. Como contista, deixou-nos o livro

Passeio do Reno, onde inclui o conto “Cecílio Flor”, baseado num pobre cego,

seu conhecido, tocador de ocarina nas ruas da cidade, e que, mais tarde, em A

Legenda, aproveitaria para dar corpo à personagem “Cecílio”.

Portugal, anos 60 - o papel da censura

A abordagem ao texto dramático O motim, e o que viria a acontecer

imediatamente após as primeiras representações desta peça, não ficariam

claros sem uma referência ao Portugal dos anos 60. Década de profundas

mudanças, verificar-se-ia logo no início da mesma uma lenta viragem à

Europa, e novos “ventos” viriam influenciar os quadrantes da sociedade e da

cultura. Procurado por milhares de turistas, há, claramente, no país, uma

aculturação que se intensifica com o fenómeno da emigração. Com a saída em

massa de mão de obra masculina, o mercado de trabalho abre-se às mulheres,

dando-se uma feminização da força laboral, o que em muito contribuiu para

uma mudança de mentalidades na visão do papel das mulheres na sociedade,

começando estas a ganhar voz. Marcante foi também a movimentação de

milhares e milhares de jovens que, por via da vida militar ou escolar,

entreteceram e fomentaram uma forte rede de hábitos e costumes, abrindo-se,

por sua vez, a novas ideias e ideais.

Ainda em 60, e na educação, registou-se um acréscimo significativo da

população escolar desde o básico ao superior, embora não fosse o suficiente

para se alcançar a situação sócio-cultural (e económica) de quase todos os

países da Europa Ocidental. No entanto, a classe média aspirava já a outros

níveis de oferta, quer no que respeita à área social, quer à cultural, verificandose,

nesta década, um aumento acentuado no número de museus e bibliotecas,

com uma duplicação no número de leitores. O mesmo aconteceu com a

imprensa escrita: o número de jornais e publicações disparou, num país em

que os hábitos de leitura se fixavam abaixo do desejável. Quanto ao

audiovisual, a década de 60 viu aparecer a televisão, que rapidamente se

impôs no dia a dia dos portugueses, alterando os seus hábitos sociais e

familiares. Agora, dentro dos lares, outras realidades surgiam, despertando

outros interesses e necessidades.

Não poderíamos falar desta década sem mencionar a situação políticomilitar

que o país vivia, desde 1961, com o eclodir da chamada “guerra

colonial”. Iniciada em Angola e rapidamente alargada a todas as outras

“províncias ultramarinas”, esta realidade condiciona toda a vida dos

portugueses e será ainda motivo de um fortalecimento da censura em todas as

áreas.

Esta presença censória, após um alívio sentido no período do pósguerra,

com a derrota do nazismo-fascismo e a subsequente crítica aos

poderes ditatoriais, volta a acentuar-se na vida cultural, e, muito

principalmente, sobre a produção dramática, fazendo-se sentir na recorrente

proibição de peças. Em 1962, por exemplo, o dramaturgo Luís de Sttau

Monteiro viu proibida a sua peça Felizmente Há Luar!, e a própria tipografia,

onde a segunda edição se compunha, foi completamente queimada e

vandalizada, tendo-se mesmo concretizado a detenção dos tipógrafos. Nem a

“primavera marcelista”, com o seu Exame Prévio, traria a liberalização tão

ansiada sobre o que se escrevia ou o que se dizia.

Apesar de tudo, bem a meio da década, em março de 1965, o ano

parecia apresentar bons auspícios: o reaparecimento da Companhia Nacional

a trabalhar no Teatro da Trindade, duas novas companhias teatrais, a abertura

de mais uma casa de teatro (o Teatro Villaret, em homenagem a esse grande

homem da palavra, João Villaret) e novos espetáculos. Até a companhia de

Amélia Rey-Colaço, por força do terrível incêndio de 2 de dezembro do ano

anterior (1964), o qual arrasou o espaço que ocupava, o Teatro Nacional D.

Maria II, voltava a trabalhar, instalada agora no recém-recuperado Teatro

Avenida. E, bem conscientes da força interventiva do teatro, surgem várias

companhias dramáticas formadas por gente jovem com vontade de fazer teatro

de autor e teatro de encenador, isto é, um teatro alternativo ao meramente

comercial e para um público mais exigente, embora muito centrado na capital.

No resto do país, salvo algumas digressões de companhias sedeadas em

Lisboa, apenas graça a grupos de teatro amador, entre os quais o já referido

Grupo de Teatro Miguel Leitão, se ia mantendo viva a presença do teatro em

cidades e vilas.

Desde sempre o teatro se mostrou como um meio de revelar angústias,

medos, ansiedades, alegrias e revoltas. Em vários países e em várias épocas,

a censura sempre atuou sobre a capacidade que este tem de fazer agir, ou de

se fazer eco da sociedade, possibilitando um pensar coletivo. Consciente disto,

em Portugal, e através da censura, o regime mantinha proibidos de serem

representados nomes como o de Bertold Brecht, Peter Weiss, Jean Paul

Sartre, Arthur Miller; mas também obras de Moliére, B. Shaw, Shakespeare, e

até mesmo de Gil Vicente foram impedidas de subirem ao palco.

Seria, pois, difícil escapar O motim à força desta ação censória.

Escolhida para abrir a época de 65, da reputada companhia Amélia Rey

Colaço – Robles Monteiro, após a catástrofe a que já aludimos, ver-se-ia a

mesma, ao fim de cinco dias de representação, banida do repertório e o nome

de Miguel Franco proibido de aparecer em toda e qualquer publicação nacional

(na verdade, já não viria nesse ano a ser mencionado num artigo intitulado

“Balanço do Ano Teatral”). Procuradas as causas para tal arbitrariedade,

percebeu-se que o censor teria considerado que a mesma continha uma forte

instigação à revolta popular; sabemos, porém, que também as ligações e

ideologias políticas seguidas pelos autores eram razão suficiente para que os

mesmos fossem impedidos de verem concretizadas em palco as suas obras.

Contra esta absurda decisão, reagiram com veemência os intelectuais

da época, enviando ao então chefe do governo, Prof. Marcelo Caetano, o

manifesto “Protesto contra a proibição da peça O motim”, lembrando, entre

outros considerandos, os malefícios que outrora a censura inquisitorial trouxera

à arte dramática. Porém, sem quaisquer resultados (Miguel Franco veria,

também, a sua peça Legenda do Cidadão Miguel Lino ser alvo da mesma

censura; esta só seria representada após Abril de 74).

Voltando a O motim, os claros paralelismos que a peça apresentava

foram, sem dúvida, a razão principal de tão radical banimento. Miguel Franco

tinha “ousado” colocar o público perante duas leituras possíveis da sua obra: a

da própria História e a da revolta de um povo contra o poder totalitário.

Porto, 1757 - o motim

Terá sido a partir de uma efeméride lida num jornal, que Miguel Franco

trabalhou a ideia que viria a resultar nesta sua obra O motim. Numa conversa

com o seu amigo, o dramaturgo Bernardo Santareno, pediu-lhe que fosse ele a

pegar no tema; porém, consciente das potencialidades de Miguel Franco,

Santareno logo o entusiasmou a concretizar, ele mesmo, a sua escrita.

Mergulhou então numa procura de documentos coevos e testemunhos

literários (por exemplo, Um motim há cem anos, do escritor Arnaldo Gama),

que o levassem a perceber os acontecimentos de 1757, passados no Porto,

cidade já então conhecida pelo seu indomável espírito liberal.

É fundamental referir que a tradição económica desta região assentava

há muito na produção vinícola e no comércio e profissões que se desenvolviam

à sua volta: armazenistas, tanoeiros, vinhateiros, taberneiros, mercadores,

exportadores, barqueiros, e até corporações religiosas. Em meados do século

XVIII já estas actividades tinham alcançado um forte desenvolvimento com as

exportações do vinho do Porto, muito principalmente para Inglaterra. No

entanto, a pressa na obtenção de lucros fáceis resultou numa crescente

adulteração da qualidade deste produto, o que levou a que os principais

clientes, os ingleses, o tivessem considerado prejudicial para a saúde; em

consequência, rapidamente os preços baixaram, as exportações diminuíram,

resultando num descalabro económico para toda a região, o que viria a agravar

as vicissitudes já sentidas em anos vinícolas anteriores. A vulnerabilidade

reconhecida a uma área que devia ser protegida e o quase monopólio

mercantil exercido pelas feitorias inglesas levaram a que fosse solicitada a

intervenção do próprio rei, D. José I, e do seu Secretário de Estado, Sebastião

José de Carvalho e Melo, mais tarde Marquês de Pombal. A Lisboa chegou

então Frei João de Mansilha, o qual expôs a necessidade de se criar uma

Companhia Geral que fizesse face à crise que se vinha abatendo na produção

e comércio do vinho da região. Foi de imediato aceite esta pretensão, e em 31

de Agosto de 1756 instituía-se a Companhia Geral da Agricultura das Vinhas

do Alto Douro, à qual foram conferidos desde logo poderes majestáticos.

Não passaria muito tempo até que se fizessem sentir as primeiras

manifestações de todos os que se sentiam lesados pela atuação da

Companhia, quando esta quebrou com hábitos antigos de relação com o vinho

e os privilégios detidos até então - na senda dos princípios mercantilistas de

proteção e monopólio que caracterizaram a gestão de Pombal. Os interesses

instalados foram fortemente lesados: na cidade, a Companhia fechou nove em

cada dez tabernas, (havia cerca de 600 a 1.000 tabernas por essa altura)

apropriando-se do monopólio da comercialização e exportação de todos os

vinhos; só ela podia vender vinho a retalho na cidade e arredores, só ela podia

exportar para o Brasil as aguardentes, os vinhos e o vinagre.

O mau estar instalado era propício a revoltas contra a situação

imposta, pois as medidas tomadas tinham, em pouco tempo, arruinado os

pequenos proprietários e os seus empregados. Querendo afirmar o seu

protesto contra este estado de coisas, e aproveitando o clima de euforia que se

tinha vivido nos anteriores dias de Entrudo, o povo da cidade juntou-se em

bandos, nessa quarta-feira de Cinzas, 23 de Fevereiro do ano de 1757.

Mulheres, rapazio e, segundo o historiador Lúcio de Azevedo (1990:131),

“vadios, soldados, colarejas, meretrizes, escravos, a ralé da cidade”

deslocaram-se até à casa do Juiz do Povo, o alfaiate e taberneiro José

Fernandes da Silva, a fim de afirmarem o seu protesto. Para a História ficaram

os seus nomes, que dão bem a imagem das suas profissões e do seu estatuto

social: “Negres”, “Maria Pinta”, “Carinha de Meio-Tostão”, “Estrelada”, “Cheta”,

“Brejeira” e tantos outros.

Embora contrariado, o Juiz seguiu “em cadeirinha” para casa do

Chanceler Bernardo Duarte de Figueiredo, a fim de lhe ser apresentado um

requerimento, anteriormente elaborado, e que pedia a extinção oficial da

Companhia. Amedrontado com a multidão e a fim de acalmar os ânimos, este

anuiu, decretando o retorno à situação que vigorava antes da fundação da

mesma. Seguiu então o povo para casa do Provedor da Companhia, Beleza de

Andrade, a qual, no excesso da euforia, foi assaltada, tendo sido alvo de

avultados prejuízos. Deu-lhes porém resposta um criado, atirando uns tiros de

bacamarte, o que exaltou a multidão que vandalizaria os próprios escritórios da

Companhia, enquanto era chamado o Corpo da Guarda, para dominar a situação.

Assim aconteceu e pelas quinze horas já tudo se mostrava calmo,

saindo à rua as tradicionais procissões de Quarta-Feira de Cinzas. Tudo

parecia ter voltado ao normal, mas para Lisboa seguiria o relato de tudo o que

se passara, em carta assinada pelo Senado da Câmara do Porto. Dias depois,

e perante o espanto geral da população, Carvalho e Melo fez deslocar para a

cidade um Juiz da Alçada com “ilimitada jurisdição” (cf. Sentença: 2), a fim de

proceder à devassa sobre os tumultos, ou arruaça, como muitos lhe

chamaram. O escolhido foi o Desembargador João Pacheco Pereira de

Vasconcelos, homem dos mais ricos da região do Douro e que detinha no

Porto vários cargos de nomeada; para escrivão, viria seu filho, José de

Mascarenhas Pacheco Pereira Coelho de Melo, membro reconhecido de várias

academias e associações literárias e científicas, embora tivesse passado à

História como um homem cruel, de poucos ou mesmo nenhuns escrúpulos, e

de grande ambição. O que não passara de uma “arruada” fora visto como um

verdadeiro motim e D. José I emitiria mesmo uma carta, referindo que

quaisquer impedimentos à execução das ordens régias seriam considerados

delito de lesa-majestade.

A chamada “revolta do vinho” ou “revolta dos borrachos” (cf. Azevedo,

1990:131), onde segundo alguns elementos afetos a Pombal estaria mão de

jesuítas ou de grandes negociantes ingleses e portugueses, resultou num

processo que sentenciou 424 homens e 54 mulheres do povo, por crime de

alta traição e de lesa-majestade da primeira cabeça. Foi um ato absolutamente

desproporcionado, que atingiu “gentalha esfrangalhada e piranga” (Camilo

Castelo Branco, 1982:136), a qual foi submetida à tortura, despojada dos seus

bens, separada de filhos e cônjuges, tendo muitos sido açoitados, enviados

para o degredo ou mesmo mortos na forca. A sentença da Alçada foi publicada

no dia 12 de Outubro desse mesmo ano e dois dias depois tinham sido

enforcados treze homens (latoeiros, tanoeiros, criados…) e quatro mulheres

(uma que se encontrava grávida, seria executada logo após o nascimento da

criança).

A cidade, também ela condenada, suportou pesadas penas que se

traduziram em largos meses de sofrimento, uma vez que, para que ficasse de

exemplo a todos os que ousassem opor-se à vontade de Sebastião José de

Carvalho e Melo, foi ordenado que se expusessem as cabeças decepadas e os

corpos esquartejados dos enforcados por toda a cidade, mas, muito

principalmente, nas ruas onde se julgava ter tido início o “motim”. Algum tempo

depois, e por questões de saúde pública, transferiram-se os mastros para as

entradas da cidade onde ficariam durante todo o inverno. Também durante

cinco longos meses a população mais desfavorecida teve de dar aboletamento

a cerca de 2.300 homens dos batalhões deslocados para a cidade, com todos

os prejuízos que daí advinham.

O motim

Foi, como já referimos, da leitura desta efeméride que Miguel Franco

partiu para a escrita de O motim. O autor encontrou, claramente, paralelismos

entre a prepotência exercida sobre o povo na centúria de setecentos e a que

subjugava Portugal, na década de 60, em pleno século XX. Procurando uma

certa distanciação temporal, a fim de a peça ultrapassar as apertadas malhas

da censura, Miguel Franco aspirava porém que o público reconhecesse uma

forte analogia presente no enredo: o exercício de um despotismo pela força

das armas e a subjugação de um povo por imposição de um enclausuramento

económico, cultural e ideológico.

Foi este paralelismo entre o poder absolutista de Carvalho e Melo e a

ditadura do Estado Novo que levou a que a peça fosse retirada e proibida.

Mário Castrim, cronista e crítico de teatro, escreveria em 1975 que O motim

teria sido “uma carta com endereço bem legível e que não enganava ninguém”.

Na verdade, partindo dos referentes históricos que suportam as figuras

dramáticas e demais elementos que as contextualizam, Miguel Franco

(re)constrói nesta sua obra dramática os acontecimentos vividos em 1757,

orientando o público para a leitura da sua “parábola”.

Na estrutura externa deste texto dramático deparamos, logo no seu

início, com a transcrição da notícia da efeméride já por nós referida, e lida por

Miguel Franco no jornal Primeiro de Janeiro, bem como uma passagem da

obra Recordações, do viajante e cronista Jacome Ratton, na qual este se

reporta aos acontecimentos de 1757, segundo o que “pessoas de crédito” lhe

teriam narrado no final desse ano, aquando da sua passagem pelo Porto. Uma

marca espácio-temporal, no final da nomeação das personagens, refere:

“CIDADE DO PORTO, Ano de 1757”, anulando qualquer dúvida sobre o

espaço e o tempo que irão iniciar o processo comunicativo.

A peça organiza-se em três atos. Em palco, “uma adega atabernada”,

a taberna do Justino (remetendo para homem justo) que irá servir também de

cenário ao Tribunal da Alçada, remetendo para a importância do comércio do

vinho em todo este processo. A inclusão de figuras significadoras, apoiando as

figuras representadoras (estas de cariz histórico e factual), é fundamental para

o reconhecimento dos factos, do clima que se vivia e da mensagem a passar.

O primeiro personagem a entrar em cena é o Profeta, que, tal como o nome

indica, deixará antever, ao longo das suas falas, a tragédia que se prefigura.

PROFETA – Então eu vou cantar…às desgraças do Porto!...

VOZES – Acabaram-se as desgraças! […]

PROFETA (olhos tristes) – Acabaram-se?!

[…]

PROFETA (mais profundo) - …Acabaram-se!

[…]

TOMÁS PINTO (dando com o Profeta) – Então vossemecê fica por

aí?

PROFETA (levantando lentamente os olhos) – Eu fui o primeiro a

cair!

Os paralelismos presentes na obra comprovavam-se na escolha das

personagens, nas marcas de tempo, de espaço e na própria ação. Atentemos

em alguns:

Personagens d’ O motim Registos na Cópia da Sentença

Estrelada Custódia Maria a Estrelada

Negres António de Sousa de alcunha o Negres

Cheta – “moinante, embrcado” José Ribeiro Oleiro, e Mariheiro, de

alcunha o Cheta.

Maria Pinta, mulher do Negres Maria Pinta, […] casada com […] António

de Sousa o Negres.

Advogado Nicolau Araújo Bacharel Nicolau da Costa Araújo

Luís Beleza de Andrade, Vereador da

Câmara do Porto e Provedor da Companhia

Provedor […] Luís Beleza de Andrade

José Fernandes da Silva, Juiz do Povo, o

“Lisboa

José Fernandes da Silva de alcunha o

Lisboa

Curioso, e como se de uma homenagem se tratasse, é o facto de

Miguel Franco ter tido a preocupação de lembrar muitos outros nomes dos que

foram sentenciados e que, não participando enquanto personagens, são por

estas nomeados. Mas continuemos com mais alguns paralelismos,

consubstanciados a partir das didascálias explícitas e implícitas (sublinhados

nossos):

Paralelismo de tempo:

Da Carta do Senado da Câmara do Porto ao Rei: “…dia em que concorre toda a

vizinhança desta cidade a ver a procissão dos Terceiros de S. Francisco…”.

N’ O motim (1.º Ato, p. 34, 35):

JUSTINO – […] Depois da procissão, …

(Ouve-se um sino, concitando os fiéis para a procissão de S. Francisco).

Paralelismo de espaço:

Da Carta do Senado da Câmara do Porto ao Rei de 25 de Fevereiro de 1757: “… à

porta do mesmo Chanceler que serve de Governador fizeram diliga para lha entrarem

nas casas,…”.

N’ O motim (1.º Ato, p. 20):

JUSTINO (indo à porta) – Estes estavam a dizer que está tudo à porta do

Governador…

Paralelismo de factos ou acontecimentos:

Da Carta do Senado da Câmara do Porto ao Rei: “…ele [o Juiz do Povo] se lhes

escusou, com o pretexto de doente, e lhe mandaram buscar uma cadeirinha e

metendo-o nela continuaram com maiores alaridos…”

N’ O motim (1.º Ato, p. 21):

(O povoléu abre alas para deixar passar o grupo que traz numa cadeirinha o Juiz do

Povo, …”)

Da Carta do Senado da Câmara do Porto ao Rei: “…chegados à sua porta […]

romperam no excesso […], fazendo forma para lhes entrarem na mesma casa, e

disparando-se de dentro dois, ou três tiros […]”.

N’ O motim (1.º Ato, p. 31, 32):

CAETANO […] – Já há tiros! Já há tiros!

CAETANO (continuando) - …Estava o povo em frente da Companhia, a clamar e aos

vivas…; de repente abre-se uma janela do Provedor, […] e dois vultos de bacamarte

apontado, dispararam contra a gente!

Na procura de um plasmar da situação que o marcou tão

profundamente, Miguel Franco vai ao ponto de incluir no seu texto a

transcrição de passagens da própria Sentença, tendo escolhido a descrição

das punições aos considerados “cabecilhas”.

A presença de tão grande número de paralelismos factuais leva-nos a

pensar na possibilidade de ter sido Miguel Franco influenciado pelo chamado

“teatro-documento”, uma vez que se apoiou no uso documental da História,

tendo, como atrás dissemos, transcrito para a fala do “Oficial de Justiça”, no 3.º

ato, parte do texto da Sentença sem qualquer modificação.

Estamos pois em presença de um “drama histórico”, uma construção

ficcional apoiada em situações que a memória coletiva registou, e que

compromete, restringe ou limita o que à partida seria essencialmente da esfera

da imaginação. Concordamos com Eugénia Vasques, quando esta refere ser

Todas as Musas ISSN 2175-1277 (on-line) Ano 03 Número 01 Jul-Dez 2011

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teatro histórico o que procura relacionar ”de modo inovadoramente dialéctico,

uma verdade histórica com uma verdade dramática, havendo, neste caso, a

necessidade de uma investigação rigorosamente documentada” (1998:82).

Por outro lado, em Combate por um Teatro de Combate, Luís

Francisco Rebello data de 1963, 1964 e 1965 (ano da representação de O

motim) as primeiras peças alemãs a que se convencionou designar por “teatrodocumento”,

isto é, peças documentais (cf. 1977:112). Weiss, ainda citado por

Rebello, propôs para o teatro-documento, a “capacidade de construir, a partir

de fragmentos da realidade, um exemplo utilizável” (1977:114). Pensamos que

Miguel Franco superou o conceito, indo mais além da própria realidade; utilizou

um documento histórico não como um mero dado documental, mas como

matéria teatral, transformando-o em algo de artisticamente poético.

Bibliografia

AZEVEDO, Cândido. Mutiladas e Proibidas: para a História da Censura

Literária em Portugal no Tempo do Estado Novo. Lisboa:

Caminho,1997.

Carta da Câmara do Porto ao Rei, de 25 de Fevereiro 1757.

CASTRIM, Mário. O Fascismo não gostou deste motim. Diário de Lisboa.

Lisboa, 16 Setembro 1975, p.15.

FRANCO, Miguel. O motim. Coimbra: edição do autor, 1963.

FRANCO, Miguel. Legenda do cidadão Miguel Lino. Porto: Editorial Nova,

1973.

GAMA, Arnaldo. Um motim há cem anos. Porto: Livraria Tavares Martins,

1935.

REBELLO, Luís Francisco. Combate por um teatro de combate. Lisboa:

Seara Nova, 1977.

Sentença da Alçada, que El Rey Nosso Senhor mandou conhecer da

Rebellião sucedida na Cidade do Porto em 1757. Lisboa: Oficina de António

Rodrigues Galhardo, Impressor da Real Mesa Censória, 1786.

VASCONCELOS, Ana Isabel. O drama histórico: entre Clio e Tália. Actas

Colóquio Literatura e História – para uma prática interdisciplinar. Lisboa:

Graça Maria Ferreira Teixeira- Mestre em Estudos Portugueses Interdisciplinares pela Universidade Aberta - Lisboa

Todas as Musas ISSN 2175-1277 (on-line) Ano 03 Número 01 Jul-Dez 2011

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www.todasasmusas.org

Dourdil - a inteligência da simplicidade

2011-11-19T03:43:00.000-08:00

Hoje chamam arte a qualquer coisa

2011-11-15T08:47:00.000-08:00

9150 entrevista-a-luis-feito

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200 anos do incêndio de Leiria

2011-11-15T03:31:00.000-08:00

Rita Cruz Neves / WORKING CLASS HERO

2011-11-11T06:25:00.000-08:00

WORKING CLASS HERO
Rita Cruz Neves

“...a consciência é à partida, um produto social e continuará a sê-lo enquanto, em geral, existirem homens.
A consciência, bem entendida não é, antes de tudo, outra coisa senão a consciência do meio sensível mais próximo e a do elo limitado com outras pessoas e outras coisa situadas fora do indivíduo que toma consciência...”

Marx e Engels “A Ideologia Alemã”

Pesquisa documental reflexiva, acto de inquietude, necessidade de aproximação e compreensão do Homem nos contextos do trabalho e do trabalhador.

Contextos que se diriam anónimos, distantes, não raramente “estrangeiros”...

Contextos que urge retratar, revelando a morte lenta e silente a que consagrámos a condição humana, dilacerada por um sistema que a deseja esquecida e reduzida à condição de mero prestador de bens de conforto.

Working Class Hero recusa a “exploração estetizante” da dor, pobreza ou injustiça... Procura, sim, a aproximação solidária e a denúncia honesta, tentando dignificar os indivíduos retratados, elevando-os à sua real condição: a de heróis, que, na sua angústia quotidiana, se esgotam na luta pela sobrevivência através do trabalho escravo e negliência existencial a que estão votados. A que os votamos...

Ensaio e tentativa de os perpetuar na memória de quem os partilha, de lhes atribuir um nome (mesmo que visual), de partilhar contextos que afinal não são tão anónimos, distantes ou estrangeiros...

Tentativa de lucidez e consciência no acto de confronto, que, como ferida insanável se traduz no dínamo social que nos impele a questionar.

Uma exposição que se pretende incómoda, provocadora e agitadora de consciências, mas que apenas se concretizará no acto de fruição aproximada e consciente por parte do fruidor.

WCH bangkok chiang-mai phnomphen

phnomphen

WCH

Rita Cruz Neves
Nasceu em Lisboa em 1977.
Licenciada no Curso de Design de Comunicação da Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa, em 2001.
Tem desenvolvido trabalhos nas áreas de design de comunicação, ilustração, fotografia e produção multimedia desde 1999, a destacar:
Projecto Fotográfico " Paisagens Megalíticas"
Museu Nacional de Arqueologia Câmara Municipal de Évora
Projecto Museográfico e Design Gráfico do Centro Municipal de Cultura e Desenvolvimento de Vila Velha de Ródão
Design Gráfico da Edição "Arquitectos Contemporâneos Portugueses"
Jornal Público
Projecto Fotográfico para a Edição " Alentejo: ÉvoraRedondo"
Edição Roque do Vale, S.A. GAMNA
Projecto Museográfico e Design Gráfico da Exposição "Tesouros da China"
Museu Nacional de Arqueologia
Realização de Vídeo "Da Criação do Universo ao Aparecimento do Homem"
Museu Municipal de Ferreira do Alentejo
Em 2005 inicia actividade como coordenadora do departamento de Design Gráfico da
Lab [d] – Oficina de Design – Grupo F. Costa, desenvovendo projectos para museus e eventos culturais, dos quais se destacam:
Design Gráfico da Exposição e Catálogo "República: Etnografia do Quotidiano"
Museu Nacional de Arqueologia
Design Gráfico do Catálogo " Quem Diz Cortiça, Diz Mundet"
Ecomuseu Municipal do Seixal
Design Gráfico da Exposição Itinerante "A Primeira República Portuguesa"
Design Gráfico do Centro Interpretativo do Património de Elvas
Design Gráfico da Exposição "Tradições Populares"
Museu Municipal de Ferreira do Alentejo
Design Gráfico do Stand Expolínguas - Paris
Instituto Camões
Design Gráfico das Exposições "Rei D. Carlos", "Marinharias" e
"O Mar e a Origem da Vida"
Câmara Municipal de Cascais Museu do Mar - Rei D. Carlos
Realização de Ilustrações "Colecção Amigos do Mar"
Câmara Municipal de Cascais
Design Gráfico da Exposição "Quinta do Rouxinol"
Museu Nacional de Arqueologia Ecomuseu Municipal do Seixal
Design Gráfico da Exposição e Catálogo
"Charters de Almeida - A Arqueologia como Medida do Tempo"
Museu Nacional de Arqueologia
Design Gráfico da Exposição "Cortiça ao Milímetro"
Ecomuseu Municipal do Seixal
Design Gráfico da Fotobiografia de José Leite de Vasconcelos
Museu Nacional de Arqueologia
Design Gráfico da Exposição e Catálogo "Monumentos de Escrita"
Museu de Grão Vasco - Viseu
Design Gráfico da Exposição Itinerante "Nameless Gods"
Museu Nacional de Arqueologia
Realização de Vídeo para Museu do Mar - Rei D. Carlos
Câmara Municipal de Cascais
Design Gráfico da Exposição, Catálogo e Monografia
"O Vinho e a Vinha de Carcavelos"
Câmara Municipal de Cascais
Design Gráfico da Exposição "Gentes do Mar de Cascais - Pescarias"
Câmara Municipal de Cascais Museu do Mar - Rei D. Carlos
Design Gráfico do Evento " Festa do Museus"
Museu Nacional de Arqueologia
Design do Logótipo Comemorativo
"José Leite de Vasconcelos - 150º Aniversário"
Museu Nacional de Arqueologia
Design Gráfico da Exposição e Catálogo e Realização de Vídeo
"Vasos Gregos em Portugal"
Museu Nacional de Arqueologia
Design Gráfico da Exposição "Joaquim Vieira Natividade"
Ecomuseu Municipal do Seixal
Design Gráfico da Exposição "A Cortiça na Fábrica: A Preparação"
Ecomuseu Municipal do Seixal
Design Gráfico da Exposição
"Meninos de Ontem e de Hoje: Sonhos e Brincadeiras"
Museu Municipal de Ferreira do Alentejo
Design Gráfico do Núcleo Provisório do Museu de Mosé Malhoa
no Museu do Ciclismo das Caldas da Raínha
Parceria com IMC

RITA CRUZ NEVES

WORKING CLASS HERO

na Galeria Paula Cabral/Café dos Artistas

http://www.paulacabral-artgallery.blogspot.com/
rua do século,171, Lisboa

de 15 de novembro a 15 de dezembro

guernica

2011-11-09T08:02:00.000-08:00

En septiembre de 1981, el Guernica aterrizó en España y fue trasladado al Casón del Buen Retiro de Madrid. Con esta obra, Pablo Picasso había querido contribuir al Pabellón de la República en la Exposición Universal de París de 1937, alzando su voz contra la barbarie del totalitarismo y sondeando la profundidad mítica del uso de la violencia ciega contra los inocentes.

http://www.hoyesarte.com/museos-de-arte/actividades/10668-30-anos-de-la-llegada-del-guernica.html

Guernica 39 anos depois

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António Canau na Galeria Municipal de Sintra

2011-11-05T04:48:00.000-07:00

Canau expo Sintra Catálogo

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TE-ATO | Destaque | em Dezembro: "Por um Dia Claro"

2011-10-31T13:10:00.000-07:00

Por um Dia Claro
Teatro

1920 e 21 de Dezembro
16H30 – para Grupos mediante marcação prévia
21H30 – aberto ao Público

Sala Jaime Salazar Sampaio – TE-ATO
Rua Pedro Nunes, 15 Transversal ao Arquivo Distrital de Leiria

Marcações e Reservas: 964 096 484
M/12

Ficha Técnica
DIREÇÃO ARTISTICA E ENCENAÇÃO: Ana Lázaro
TEXTO: Ana Lázaro (a partir da obra de Almada Negreiros: A Invenção do Dia Claro)
INTÉRPRETES: Simon Frankel e Inês Melo
VOZ: Joana Capucho João Almeida e João Lázaro
MÚSICA: Inês Melo
ILUSTRAÇÕES / CURTA -METRAGEM: Catarina Mesquita
EDIÇÃO e MONTAGEM: Hugo Franco e Ana Lázaro
DIREÇÃO TÉCNICA: Hugo. Franco
PRODUÇÃO: ‘dobrar
APOIOS: Fundação Calouste Gulbenkian; Te-Ato; Teatro do Biombo; Post Lisboa; Casa Conveniente; Teatro do Vestido.
DURAÇÃO: 1H

Sinopse
... Um homem que é expulso da prisão mas prefere permanecer encarcerado. Um homem atirado para o Mundo mas que ainda não sabe ser homem. Um homem que cresceu antes das palavras, sem saber como as usar. Um homem que é criança. Uma criança que fala com palavras recém-nascidas.
Criado a partir da obra de Almada Negreiros e da poesia inglesa de Fernando Pessoa, Por um Dia Claro, conta uma história feita de duas metades: a de um homem que nasceu com defeito, e da sua luta por existir num mundo que onde não parece pertencer; que nos embarca pelas suas aventuras na procura por uma identidade humana, e pelas viagens interiores que fantasia … e a de uma mulher - a mãe – que se alimenta de memórias para vencer os dias. Em palco as histórias crescem nas palavras; nos desenhos de uma curta-metragem de animação, e a música acompanha com voz de acordeão.
Olhava para os outros homens com o meu par de olhos
E escutava as palavras das suas bocas
Mas não conseguia imitar!
E tu não estavas lá mãe
E eu sabia uma palavra só
Só sabia a palavra: só.

No âmbito de fomentar o encontro uma linguagem artística gerada a partir da pesquisa sobre autores Contemporâneos Portugueses, cujas obras são um objecto de referência cultural para os espectadores, procura-se relevar o olhar crítico e atento, sobretudo público Jovem, fomentado a sua vontade de problematização, discussão de motivações, desejos e capacidades, a pretexto das matérias artísticas.

por email

por dentro do silêncio _Maria João Franco_Casa da Cultura de Coimbra

2011-10-30T08:18:00.000-07:00

Recortes

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Fórum Actor Mário Viegas,

2011-10-20T01:36:00.001-07:00

Programa Cultural para o dia 21 de Outubro de 2011

Apresentação do Livro de Domingos Lobo
"A Pele das Sombras"
21 de Outubro, sexta-feira às 21:30

"PARA DOMINGOS LOBO, NESTE "A PELE DAS SOMBRAS", O POETA TEIMA EM REALIZAR-SE ONDE A REALIZAÇÃO NÃO É POSSÍVEL;

A DE NASCER PORTUGUÊS E NÃO SABER SER OUTRA COISA, POIS COMO AQUILINO RIBEIRO VIU UM DIA: A NOSSA LÍNGUA É UM MAUSOLÉU SUMPTUOSO ONDE QUEM LÁ CAI FICA PARA SEMPRE.

ESTE "A PELE DAS SOMBRAS" É UM BOM MOMENTO PARA AS LETRAS PORTUGUESAS." Alfredo Vieira
O Ribatejo, o Tejo e as vozes poéticas que o afirmam, passam também por esta poética das emoções e do lirismo.
Domingos Lobo venceu, em 2009, com a peça NÃO DEIXES QUE A NOITE SE APAGUE, o Prémio Nacional de Teatro Bernardo Santareno.

Contamos com a sua presença!

Divulgue e participe!

A Cultura é de todos e para todos.

O Fórum Actor Mário Viegas,
do Centro Cultural Regional de Santarém,
Está equipado com sistema de som e projecção
Multimédia Gentilmente cedido pela:

A empresa Fiança Apoia o CCRS com o prestimoso reparo

do telhado do nosso Edifício-Sede, graças ao qual

o CCRS pode agora desenvolver a sua actividade cultural

com mais dignidade.

Centro Cultural Regional de Santarém

Fórum Actor Mário Viegas

MORADA:Rua Dr Joaquim Luis Martins 162000-141 SANTARÉM

TELEFONE:
243 327 164

EMAIL:

centro.cultural.regional.santarem@gmail.com

WEB SITE

www.wix.com/ccrsantarem/ccrs

por email

: Um teatro de Combate: a dramaturgia de Miguel Franco

2011-10-19T10:46:00.000-07:00

Outro trabalho foi apresentando no Encontro de Pós-Graduação da

Universidade de São Paulo. O texto final é da autoria de Flávio Botton.

Um estudo profundo , abre o "velado"

que aqui em Portugal faz esquecer

o nome e o trabalho de Miguel Franco.

Paulo Damião

2011-10-16T15:16:00.000-07:00

ENCONTREI-TE AMANHÃ…

Esta exposição surge de uma pesquisa interior sobre o belo, o amor, a vida e a morte.

A paisagem aparece como uma espécie de filtro para o que realmente acontece no último plano e as personagens, por vezes submersas no seu universo, enfrentam as suas procuras e encontram-se.

O encontro pressupõe uma procura. É na continuidade da contemplação sobre o que se deseja e no caminho que se desenha, que nos aproximamos do outro e de nós.

Adivinham-se dois mundos: um no limite das águas e outro na superfície do ar. No primeiro, a água, as cordas, as árvores, o vento, o corpo acompanham o mistério daquilo que acontece abaixo da superfície: um mundo submerso. Mas é na superfície que os corpos se amam e se abismam e onde tudo acontece porque se deixou que a inquietação se apoderasse da mortalidade do amanhã…

Percorre-se um caminho líquido, num universo das águas e de sombras, que culmina com o encontro supremo na luz. Nesta busca incessante há um sentimento de melancolia e inquietação, que apela à vida terrena e habitável.

A expressão “encontrei-te amanhã” emerge da busca constante da concretização dos sonhos e desejos, enquanto seres insatisfeitos e conscientes da efemeridade da vida humana.

Todavia, é no Amor que se completa o círculo e é nele que nos imortalizamos.

Ao meu pai,

Paulo Damião

O Avesso,

sobre os trabalhos de Paulo Damião

Valter Hugo Mãe

O aspecto sedutor das figuras de Paulo Damião dá imediatamente lugar ao confronto com a sua qualidade espectral, um certo negrume que, afinal, radica no centro das cores mais celestiais. Parece estarmos diante de quem pertence ao inferno mas se vê aprisionado, ou exposto para humilhação, no paraíso.

Ninguém está bem no paraíso de Paulo Damião. Ninguém supera a circunstância. Diria que o modo como o pintor vê o mundo está dominado por essa troca de simbologias que faz dos lagos de água azul o novo fogo de um qualquer inferno. As figuras ficam imersas, perscrutantes, como deambulantes e sem pressa. São seres no tempo, com tempo, sumindo demasiado lentamente. Estão numa neblina constante, crepuscular, como à deriva. São pálidas e vagas, expõem uma tristeza profunda mas, expondo-a, parecem estar já para além dela. Dessensibilizados, desimportados, efectivamente vagos, em puro abandono.

O convívio com os quadros de Paulo Damião exige de nós um certo itinerário da violência. Os seus retratos são como que o resultado do gesto violento pressuposto, o gesto que já raramente a tela aborda mas que faz necessariamente parte da narrativa que contém. As figuras são como, sobretudo, animais depois, ou na eminência, do combate. Há um avulso das figuras que me sugere um lado vadio, como gente predadora e não absolutamente humana, sublinhada numa solidão bestial e intensa.

Aquela ideia de humilhação é importante para ver esta colecção de quadros. Os rostos expostos sempre estão num qualquer recolhimento que parece ser agredido pelo retrato. Existe aquela sensação que passa nas fotografias feitas aos antigos que julgavam perder a alma. Sem reacção, estas figuras têm o mesmo ar encurralado da presa que encara o pintor, o predador.

O modelo de Paulo Damião é o selvagem que, por um instante, se torna submisso. Apenas o suficiente para que a imagem surja, invasora e íntima, a partir do lugar impossível, simbolizando o mais íntimo ou recôndito, exactamente a radiografar o espectro, a roubar o espectro.

É muito bem conseguida a junção da beleza a uma dimensão angustiada da existência, diria também que é a dimensão acossada dos indivíduos, capturados em seu desvanecimento como algo desonrados. A beleza é estranha, tão inequívoca quanto alienígena, os rostos alongam-se, os olhos redondos abrem enormes, algo escapa ao natural. Estaremos perante figuras que se reconhecem entre elas mas que provocam no seu espectador a estranheza de que falava. São distintas do real e a irrealidade, ou um onirismo disfórico, será um modo claro de caracterizar o trabalho de Paulo Damião.

Digo onirismo disfórico, e não exatamente pesadelo, porque a propensão para a harmonização clássica das formas e a candura cromática parecem-me impor do lado do sonho que se procura no mais improvável, um sonho que, sendo irresistível, entristece. Tudo se faz dessa complexa vontade de capturar a atenção do espectador através das belas formas para lhe infligir a tristeza contida.

Sou há muito um grande admirador da obra de Paulo Damião. Vejo-a nesse lugar de improbabilidades. Admiro-a pelo risco, pelo desconforto e, ao mesmo tempo, pela capacidade de solicitar a ternura no limiar já da representação humana. Podíamos estar diante de deuses nos seus lagos quentes, ferozes tanto quanto cansados pelos seus combates e demasiadas responsabilidades. E gosto dessa espécie de heroicização dos indivíduos, elevados a uma condição bem mais espiritual do que o quotidiano permite mostrar. Gosto do muito belo que resulta do medo ou do inseguro, e o Paulo Damião tem sido um mestre nesse efeito. Esta nova exposição prova isso mesmo. A maravilha de um certo susto. A maravilha das coisas entendidas já um pouco pelo seu avesso.

Berlim,capital das Luzes

2011-10-16T15:10:00.000-07:00

http://www.elmundo.es/multimedia/?media=nvwsQeClTn5

Berlim,capital das Luzes

2011-10-16T14:58:00.000-07:00

Extempo-Galeria Zero /Maria João Franco

2011-10-14T03:26:00.000-07:00

Maria João Franco /"Os Passos"

Abre hoje ,14 de Outubro,

a mostra ART ET AUTOMNE

em Paris

com curadoria de Galeria Zero /Barcelona

António Canau recebe o Prémio da Academia Nacional de Belas Artes “Gustavo Cordeiro Ramos 2011”

2011-10-13T11:54:00.001-07:00

António Canau

Prémio da Academia Nacional de Belas Artes

“Gustavo Cordeiro Ramos 2011”

– “Feminina – sob suposta influência da Lua”. 2007.

Construída. Ferro pintado e aço inox escovado. 200x70x60cm.

– “Femina, under supposed influence of the Moon”. 2007.

Constructed. Painted iron and stainless steel. 200x70x60cm.

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Exmo Senhor

Prof. Escultor António Canau

L.14/P.12-B/20253 2011/10/10

A Academia Nacional de Belas-Artes vai proceder, em sessão solene, pública, no dia 18 de Outubro de 2011, pelas 15h00, na sua sede, á cerimónia da entrega dos Prémios atribuídos por esta Academia.

Nesta conformidade convidamos V.Exª., a estar presente para receber o diploma do Prémio "Doutor Gustavo Cordeiro Ramos/2011", com que foi justamente distinguido por unanimidade.

Com os meus melhores cumprimentos,

O PRESIDENTE,

(António Valdemar)

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António Inverno

2011-10-11T10:54:00.000-07:00

http://www.facebook.com/#!/profile.php?id=100002817205659

ANTÓNIO INVERNO

(http://www.circuloarturbual.com/artespl%C3%A1sticas/pintura/ant%C3%B3nioinverno/tabid/159/language/pt-pt/default.aspx)

1944 - Nasceu em Monsaraz, a 27 de Outubro. 1956 - Chega a Lisboa.1958 - Matricula-se na Escola António Arroio.1964 - Conclui o curso de Gravador Litografo. Teve como principais mestres, Roberto de Araújo, Manuel Lima, Estrela Faria e Abreu Lima. Trabalha, entretanto, no atelier de Jorge Barradas na Fábrica da Viúva Lamego.1966 - Segue para a Guiné em serviço militar começando, entretanto, o seu contacto com Africa.1968 - Regressa a Lisboa. Trabalha com Rogério Ribeiro e Mário Rafael. Colabora na decoração de interiores do edifício da actual sede da Gulbenkian.1969 Ingressa na equipa de Thomas de Mello, no sector gráfico na Feira Internacional de Lisboa.1970 - Colabora na "Seara Nova" onde promove edições de serigrafias de artistas portugueses contemporâneos.1971 Instala um atelier na Avenida 5 de Outubro. Realiza maquetas, destinadas a publicações de vários organismos e empresas.1972 Inicia a actividade de serígrafo. Cria um atelier exclusivamente consagrado à serigrafia na Avenida Conde Valbom. Colabora com Júlio Pomar, Vespeira, Charrua, Espiga Pinto. Eduardo Nery. Maria Keil, Francisco Relógio, Jorge Vieira, Costa Pinheiro, Eurico Gonçalves entre outros.1973 - Sócio fundador do Centro Comunicação Visual A.R.C.O.. Aluga um espaço na Rua da Emenda onde (ainda permanece) no qual prossegue a sua carreira como serígrafo.1974 - Participa através do País nas Campanhas de Dinamização Cultural. Tem parte activa na elaboração de cartazes e organização de espectáculos teatrais e musicais. Esta acção prolongou-se até 1975.1976 - Membro fundador do Centro Cultural de Almada.1977 - Organiza e lecciona cursos de serigrafia através de quase todo o país, destinados a professores de Educação Visual, bem como a animadores ligados às autarquias. Esta acção prolongou-se até 1979.1982 - No âmbito do intercâmbio com África efectua sucessivas viagens, sendo entretanto solicitado, e entre outras tarefas, para seleccionar jovens artistas aos quais são atribuídos bolsas de estudo nos principais centros culturais da Europa. Esta acção prolongou-se até 1985.1986 - Forma novos colaboradores no atelier na Rua da Emenda. Dá assistência a bolseiros da Fundação Calouste Gulbenkian. Esta acção prolongou-se até 1990.1993 - Criou o Centro de Serigrafia António Inverno.1994 - Colabora em vários Centros Culturais no Alentejo, promovendo exposições de artes plásticas de âmbito nacional.2001 - Criou o cenário para os estúdios da RTP Internacional. Convidado para criar e executar um painel da estação do metro do Arteiro.
Principais Exposições Individuais
1985 - Galeria Atelier 2.1987 - Pintura – Galeria Barata, Lisboa. 1990 - Clube Taurino Vila-franquense.- Pintura – Galeria Artela, Lisboa. 1991 - Centro Cultural de Santarém.1992 - Monsaraz Museu Aberto.1993 – Galeria - Bar Sintra .1995 - Galeria Municipal da Amadora.1996 - Exposição comemorativa 25 Anos de Serigrafia, Palácio Galveias Lisboa.- Exposição comemorativa 25 Anos de Serigrafia, Club Setubalense e Academia de Música e Belas-Artes de Setúbal.1997 - Galeria São Francisco.1998 – Cultur art (Foyer Européen).Galeria Municipal da Amadora. Galeria Municipal de Setúbal. Galeria C.M. Funchal.Galeria Bento Teresa Sargento, V. V. Ficalho.1999 - Centro Cultural de Santarém.Escola Secundária Alves Redol, V. Franca de Xira. Cine Teatro de Serpa. Galeria Artela, Lisboa.2001 - Centro Cultural de Santarém. ArtEmpório Galeria, Lisboa.2002 - SeteComArte Galeria. - Galeria c@fé, Serpa.2003 - Pintura Galeria ArtEmpório.2003 - Pintura – Instituto de Saúde Mental, Setúbal.2003 - Pintura – Galeria C.M. Salvaterra de Magos.
Principais Exposições Colectivas
1985 - Pintura - Galeria Novo Século, Lisboa.1986 - Pintura - Galeria São Bento, Lisboa.1987 - Pintura - Salão de Pintura Contemporânea, Sesimbra.- Galeria Atelier 2, Lisboa. 1988 - Galeria Mirón, Lisboa. 1992 - Galeria de Setúbal.- Pintura - Câmara Municipal de Torres Novas. 1994 - Pintura - Centro Cultural de Barrancos.Núcleo de Artes de Setúbal.Pintura Soc. Coop. de Grav. Portuguesa.Pintura - Museu Alberto, Monsaraz.Homenagem a Estrela Faria.Pintura Junta Freg. de Casais (Apoio a Bombeiros). 1995 - Pintura - Galeria de Vila Franca de Xira - Homenagem a Victor Mendes.1997 - Galeria Movimento de Arte Contemporânea. 1998 - Galeria Leo. Porto.- Palácio D. Manuel, Évora.1999 - Galeria Movimento de Arte Contemporânea.2000 - PriceWaterHouseCoopers / ArtEmpório Galeria, Museuda Patriarcal, Lisboa.Castelo de Beja.Galeria Samora Correia. 2001 - Galeria EDIA.ArtEmpório Galeria, Lisboa.Galeria da Direcção Geral da Administração da Justiça.Galeria Municipal de Moura.2002 - C.M. de Morforte. 2002 - Galeria de Morsaraz.2003 - XVIII Jornadas dei Património de Ia Comarca de IaSierra, Huelva Espanha.2003 - Galeria Vila Franca de Xira - Semana de Cultura Taurina.2003 – Centro de Arte Contemporânea da Amadora

Biografia
Citado em obras sobre Vieira da Silva, Manuel Cargaleiro, Maluda, Júlio Pomar, José Guimarães, entre outros artistas a propósito das serigrafias que executou.

Referências Criticas
Eurico Gonçalves, José Luís Porfírio, António Valdemar, Rui Mário Gonçalves, João Pinharanda, Margarida Botelho, Alexandre de Melo, Mário de Oliveira, etc., dobre actividade de serígrafo e de pintor.

Homenagem e Condecorações
Membro efectivo da Academia Nacional de Belas-Artes. Homenagem, em 1986, na Galeria de S. Bento. por numerosos artistas ligados à serigrafia e a outros domínios da criação plástica. Comendador da Ordem do infante D. Henrique. 1995 Prémio nacional de Pintura da Academia Nacional de Belas-Artes.

* * *«O TEMPO SÓ ESTRANGULA QUEM NÃO AMA»

Diga-se (ou não se diga), eu escrevo – pelo que sei – que António Inverno é (para além de ser, técnica e esteticamente, um notável e criativo artista plástico) um dos pioneiros da serigrafia de arte, moderna e contemporânea, em Portugal, considerando-o como um dos mais sensíveis “analogic graphic annalists portugueses”.
António Inverno é, como afirmo, para além de um notável artista plástico, com obra própria e representativa, um divulgador generoso da obra de inúmeros autores de nomeada e jovens revelações das gerações de 50 a 90, superando lacunas e acrescentando pesquisa e inovação experimental à sua formação original de Gravador Litógrafo, adquirida na Escola António Arroyo (1958-64), onde apreendera os ensinamentos de notáveis mestres .
O seu aprendizado prossegue-se, posteriormente, com Jorge Barradas , em seguida, com Rogério Ribeiro e Mário Rafael, depois, com Thomas de Mello e, mais tarde, com Lupi Manso .
Em 1970, promove edições serigráficas de algumas obras exponencialmente importantes de artistas portugueses contemporâneos, na "Seara Nova", assim precedendo uma actividade profícua que o notabilizaria, como serígrafo de arte, sobretudo valorizadas por ligações que intensifica (a partir de 1972).
Quando, em 1993, funda o CSAI (o seu próprio Centro de Serigrafia) António Inverno acabaria, portanto e, apenas, por (re)baptizar, formalmente, uma instituição empresarial privada, na qual se consubstancia o registo de marca duma expressão original (uma espécie de copyright), adquirida e, consolidada, no mercado cultural, periférico e emergente, alicerçado no know-how especializado, que adquirira, na modalidade e, até então, se sedimentara, no primeiro e mais conceituado atelier português do género, por si mesmo «inventado».
Desse modo, ficaria, o seu CSAI, acreditado, para a posteridade, pela compactação de duas décadas de experiência ímpar, na criação inovatória e na produção de estampas analógicas de invulgar valor e qualidade, que constituem peças documentais de genuinidade autenticada, criaram nomeada …gerariam descendência e documentam peças históricas de valor autoral certificado, enobrecendo o campo da serigrafia de arte.
Ao longo da década seguinte , prosseguiria a edição de centenas de peças, em séries numeradas e assinadas fidedignas , (re)criando (quando não valorizando) – pela expressão cromática, técnica e tecnológica, da sua linguagem serigráfica (silk-screen) – peças matriciais originais de autores contemporâneos, levando a cabo a missão meritória de divulgação da imagem de obras únicas e de autores representativos da contemporaneidade cultural das artes plásticas portugueses do séc. XX.
Seria, possivelmente, desnecessária, esta breve abordagem histórica, se, acaso, existisse, em Portugal, o hábito salutar de registar tudo quanto é importante no domínio da Cultura e, em particular, no âmbito das Artes Plásticas e Visuais, para que qualquer homenagem, a um artista vivo, não rescendesse (tão assim) a uma espécie de reminiscência obituária… intróito passadista indispensável ao estabelecimento de coordenadas do presente …mas, a ignorância a que – por sistema – os valores humanos são votados, entre nós, impõe este tipo de “actualização do carácter cultual das nossas memórias”, ainda – e, sobretudo – quando se trata de homenagear alguém que dedicou o seu passado e o projecta, no presente, com a persistência e a força anímica da sua própria natureza, como acontece com António Inverno.
Desenhista compulsivo e perfeccionista, pintor autoexigente e analista gráfico-analógico, cuja percepção e sensibilidade se evidenciam na sua obra, António Inverno é um daqueles raros seres, portadores de um sentido peregrino de perguntador vigilante, de um talento iniciático e da incomum energia criativa onde se estigmatizam os valores axiológicos da dádiva e da dúvida, da compartilha afectiva e da solidariedade humana. A estética e a poesis fervilham, simultaneamente, na essência da sua convivialidade pródiga e prodigiosa, gerando estranhas sinergias anímicas, catapultando as ideias, os conceitos e as noções por que se tecem as mais enriquecedoras aquisições mentais, do pensamento intelectual-emocional que dá forma à fala humana e sonha a perpetuidade da espécie, neste planeta e neste “país de poetas de costas-voltadas para o mar”.
Quando, há décadas, o conheci – a parsecs da distância de hoje, no Tempo – vivia entre nós, ainda, o Fausto Boavida …e o nosso calendário marcava os anos sessenta. Algo teve, porém, então, assinalável similitude com a postura de uma mesma relação «dramática de cumplicidades mútuas entre brancas casas e ruas de xisto envolvidas em muralhas, no alto do monte onde se ergue Monsaraz e nasceu António Inverno», como, mais recentemente, Silvestre Raposo refere, aludindo ao seu primeiro «contacto com obras suas.» […] afirmando, também «que a sua pintura possui a força e a riqueza da força de viver. Que acompanha a herança da utopia, do sonho do seu Alentejo. Que essa sua pintura possui um movimento constante, que reflecte a paixão permanente com que encara a vida e tem as cores da honestidade, da humildade e da fraternidade que pautam a sua existência.»Essa será a mesma força, a um tempo telúrica e cósmica, que Luís Serpa Soares salienta e me permito reiterar, transcrevendo-lhe as palavras: «o seu "apaixonamento" permanente, em cada dia, em cada momento, que o levam a orientar a sua vida por uma constante solidariedade para com os outros. Quantas vezes já o vi, mesmo com sacrifício, estender a sua mão para acorrer a quem lhe bate à porta com um pedido de ajuda. Por isso, esta sua grande dimensão humana, sublinhada em tudo quanto dele se tem dito e sobre ele se tem escrito, está patente na sua obra: na afición apaixonada com que pinta a nobreza do touro, e nos permite compreender a afirmação de Picasso, quando diz que “os touros são anjos com cornos”; na presença apaixonada de uma causa que é a sua, e que vemos na esquadria de todas as suas telas; na paixão irresistível pelo seu Alentejo, a dominar a sua temática.» […]
Por isso e por razões outras – talvez, como Anthony Velonis9 – António Inverno «que é o pai da serigrafia em Portugal» , prestou assistência a bolseiros de Arte da Fundação Calouste Gulbenkian, tem apoiado vários Centros Culturais no Alentejo, organiza e lecciona (até 1979), cursos de serigrafia, destinados a professores de Educação Visual e a animadores ligados às autarquias, por quase todo o país e, no âmbito do intercâmbio cultural com África, fez viagens sucessivas, solicitado para promover a selecção de revelações artísticas , a muitas das quais viriam a ser atribuídas bolsas de estudo, em centros culturais europeus (1982-85).
Pode – lamentavelmente, como tantas outras – não ser, a bibliografia passiva de António Inverno, proporcional à sua indiscutível importância cultural, conquanto o seu nome e a sua obra não deixem, todavia, de se ser referenciados, quer como pintor e artista plástico, quer, sobretudo, enquanto agente cultural e co-autor de serigrafias, executadas sobre originais matriciais de autores que, à sua maestria, confiaram tal missão. Em todo o caso, são inúmeras e isentas as recensões e referências criticas de que é objecto, enquanto artista plástico (pintor e/ou serígrafo de arte) sendo, genericamente, abordado como homem de cultura e objecto das mais altas distinções .
Privilegia-me a honra da solicitação deste texto, congratulando-me pelo acto de justiça com que, nesta hora, se pretende homenagear o seu trabalho, a sua pujante vitalidade, a nobreza do seu carácter íntegro, de Homem leal e solidário, porque, ipso facto, as suas palavras, pintadas e escritas, são Arte …e «o tempo só estrangula quem não ama».

José-Luis Ferreira – Caramulo, 2008-03-12

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António Inverno

Defensor incondicional da liberdade

Um defensor incondicional da liberdade, cria e dinamiza projectos culturais por onde passa. Partilha o que sabe com a naturalidade com que respira. Fundou instituições como o Centro de Comunicação Visual A.R.C.O. e o Centro Cultural de Almada. Nasce como serígrafo para salvar a Seara Nova e hoje é um homem de destaque internacional na serigrafia, pintura e gravura. Trata por tu os grandes da arte e da política. Actualmente, entre outras actividades, é professor na ESE de Beja.

António Inverno nasceu em 1944 em Monsaraz.

Em 64 conclui o curso de Gravador Litografo na Escola António Arroio.

Teve como principais mestres, Roberto de Araújo, Manuel Lima, Estrela Faria e Abreu Lima. Trabalhou no atelier de Jorge Barradas na Fábrica da Viúva Lamego, com Rogério Ribeiro e Mário Rafael.

Colabora na decoração de interiores do edifício da actual sede da Gulbenkian. Fez parte da equipa de Thomas de Mello, no sector gráfico na Feira Internacional de Lisboa.

Em 1970 colabora na "Seara Nova" onde promove edições de serigrafias de artistas portugueses contemporâneos o que lhe dá dimensão internacional.

Cria um atelier exclusivamente consagrado à serigrafia na Avenida Conde Valbom.

Colabora com Júlio Pomar, Vespeira, Charrua, Espiga Pinto. Eduardo Nery. Maria Keil, Francisco Relógio, Jorge Vieira, Costa Pinheiro, Eurico Gonçalves entre outros.

É sócio fundador do Centro Comunicação Visual A.R.C.O. e membro fundador do Centro Cultural de Almada.

Organizou e leccionou cursos de serigrafia através de quase todo o país, destinados a professores de Educação Visual, bem como a animadores ligados às autarquias. No âmbito do intercâmbio com África seleccionou jovens artistas aos quais são atribuídas bolsas de estudo nos principais centros culturais da Europa e deu assistência a bolseiros da Fundação Calouste Gulbenkian.

Em 1993 criou o Centro de Serigrafia António Inverno. Colabora em vários Centros Culturais no Alentejo, promovendo exposições de artes plásticas de âmbito nacional. É professor de pintura, gravura, serigrafia e desenho na Escola Superior de Educação de Beja e brevemente também na de Viseu.

A gravura e a serigrafia, são ambas, métodos de reprodução gráfica.

Qual a diferença?

_Para se fazer serigrafia tem que haver um original e na gravura o original é feito em cima da chapa. Pode haver uma ideia preconcebida para aquela gravura mas a chapa é desenhada na altura.Em Portugal, a gravura tem vindo a desaparecer, para grande mágoa minha porque gosto muito de gravura.

Faz uma pequena pausa como quem desfolha lembranças e continua,

_ olhe, havia um homem que infelizmente faleceu há pouco tempo, para mim um dos melhores gravadores da Europa ou mesmo do mundo, o Bartolomeu dos Santos. Vieram pessoas de todas as partes do mundo para aprender com o Bartolomeu. Ainda existe a Sociedade Portuguesa de Gravadores Portugueses onde ele também trabalhou. Aqui há uns anos os pintores faziam lá os seus trabalhos de gravura. Mas a gravura exige tempo e aquilo suja muito as mãos.

Riu-se, há uma série de factores.

Uma prensa não é muito cara mas é muito pesada, é difícil deslocá-la. Para fazerem as suas próprias gravuras, os artistas têm de ir a Tavira, onde está a prensa do Bartolomeu ou à Sociedade dos Gravadores Portugueses.

Há uma também na Galeria Diferença em Lisboa.A gravura tem que ser feita pelo próprio artista, não é como a serigrafia que pode ser feita por terceiros. Comecei a fazer serigrafia, as coisas começaram a correr bem, vinha gente do estrangeiro para trabalhar comigo. E a gravura foi sendo anulada. Neste momento, dentro das minhas possibilidades tento recuperá-la.

A arte tem que estar obrigatoriamente ligada à liberdade

Há uma relação entre o António Inverno serígrafo e a Seara Nova.Pousa o olhar sobre mim com um sorriso e relata:

_ houve uma altura em que a PIDE destruiu a Seara Nova. Fiz uma edição de 18 pintores para pagar coisas da Seara Nova que era uma revista muito importante, onde escreveu o Mário Soares, o Manuel Alegre, o Soromenho, o Zé Saramago… onde escreveu muita gente. Uma revista muito interessante. E a partir dessas edições comecei a ficar conhecido a nível mundial. Acabo por nascer na Seara Nova. Mas só fiz isso porque era preciso manter a Seara Nova, a PIDE partiu máquinas, partiu armários, partiu tudo…

A arte tem de estar ligada à liberdade?

_Obrigatoriamente à liberdade. Razão pela qual os pintores na União Soviética, desapareciam, fugiam. Não tinham liberdade. E há boa pintura na Rússia, mas tinha muitas casinhas, muitas florzinhas… Tinha que ser tudo muito concreto.O artista nunca se deu bem com a falta de liberdade.Ninguém tem o direito de interromper o meu pensamento. De dizer: ‘tu não podes!’ Um pensamento é sempre criticável. Ninguém é dono da verdade, mas deixem-me ser livre!

Faz uma pausa, olha-me de frente, sorri de novo e continua,:_ agora, infelizmente vivemos num país onde as autoridades políticas não fazem nada pela cultura. Têm medo da cultura, sorri, olhe, o futebol! Não tenho nada contra o futebol nem contra quem gosta de futebol, mas é um tónico que dão às pessoas para terem ausências de pensamento, para nem sequer experimentarem a ter liberdade.E, o que é a liberdade?A liberdade? Olhe, a liberdade não é fazer tudo o que me apetece. Não, não é nada disso! A liberdade é não haver polícias, não haver juízes, não haver fome, não haver miséria. Um homem ter a possibilidade de se exprimir de qualquer forma, seja através da arte ou do que for. E é ter mais respeito pelo semelhante.Portanto a liberdade define-se a partir de valores como o respeito e o livre pensamento.Exactamente!Mas tudo tem um reverso e cada atitude que se comete, uma consequência.Claro!Quando se age livremente pensa-se nas consequências dos nossos gestos e aí está a responsabilidade, não é?

É evidente!

E esta liberdade que hoje dizem que temos, é mentira. E incomoda-me bastante este desprezo pela cultura. Não estou a acusar o ministro da cultura. Sou amigo dele, é uma pessoa muito inteligente, um grande senhor, mas não faz muito pela cultura neste país. Não há condições para isso, nem ele as vai criar.
Quando há cultura, as pessoas lidam umas com as outras de outra maneira.
A cultura é mesmo fundamental?

_É! Pois claro que é!

Porquê?

_Olhe, porque há países com menos recursos naturais que Portugal e no entanto têm um nível de vida superior porque têm melhor nível cultural.A cultura é necessária sim, e constato que só por carolice nossa é que hoje se passam coisas muito interessantes neste país e cada vez mais, fora de Lisboa. Mas essas pessoas que dinamizam esses projectos deviam ser apoiadas. E o apoio nem sempre é dinheiro. As pessoas querem sentir-se compensadas com o seu acto de liberdade de pensamento. O Ministério da Cultura tem a mania de responder: “não temos verba para isso”. Ninguém lhes está a pedir dinheiro e muitas vezes se pedirem é para material que fica ali para outros eventos.

Homenagem em Algezur

Foi-lhe feita uma homenagem no passado dia 2 de Agosto em Aljezur onde pode ser visitada uma exposição fotoducomental, de serigrafias e aguarelas até dia 28. O evento contou com o Alto Patrocínio do Presidente da República. Presentes estiveram cerca de 400 pessoas provindas de diversos lugares do mundo e entre elas, personalidades como Luís Cabral. Na Comissão de Honra, encontram-se nomes como Elísio Summavielle e Gonçalo Couceiro e como os patronos, personalidades como Durão Barroso e Mário Soares. Contou com o apoio de instituições como o Governo Civil de Faro, Fundação Calouste Gulbenkian, Circulo Artur Bual e a Câmara da Amadora, entre outras.
Foi-lhe feita, em Aljezur, uma Homenagem. Qual a sua relação com Aljezur?

:_Gosto muito de andar por ali porque é de facto um ambiente de liberdade com interesse pelo saber. Existem projectos que não contam só com a população de Aljezur que é um concelho pequeno. Há a colaboração da Amadora. Penso que o Ministério da Cultura também vai participar.

A Câmara de Aljezur? O Vereador, o Presidente e o Francisco Oliveira são pessoas abertas. Noutros sítios por onde tenho andado, às vezes perguntam: ‘aquele teu amigo não é de direita? Ou, não é de esquerda? ‘Houve lá uma série de conferências que se chamavam Desconversas, fui eu quem convidou as pessoas e nunca ninguém me perguntou se os meus amigos são de direita ou de esquerda.O vereador da cultura é um grande senhor, sabe muito bem o que quer e tem uma vantagem, quando não sabe, pergunta. O Presidente da Câmara, é um homem que fala com as pessoas, senta-se à mesa com toda a gente, é uma pessoa calma e respeitada.

Em Aljezur sinto-me bem porque há democracia. E aquilo que está mal, procuram fazer melhor, e procuram aprender. E acho engraçado, eles perguntarem às pessoas como é que é.
Mas afinal o que é a cultura?

:_É ter a noção do que se passa à nossa volta. Se houver cultura há informação e poderemos fazer crescer algumas pessoas e atenuar as mágoas e as dores de muita gente. Tem que haver cultura para tudo isso. O mundo não pode viver só com fábricas. E as pessoas que estão na caixa de um supermercado também têm que ter cultura para fazerem mais e melhor, terem consciência e atenderem com alguma delicadeza. Olhe os polícias, um polícia não tem o direito de me tratar mal só porque tem uma farda. Isso não é cultura nem liberdade nem coisa nenhuma. Quando há cultura, as pessoas lidam umas com as outras de outra maneira.
Nem todos os capitalistas são fascistas

A cultura é imprescindível para ter mundo?

:_Claro! Faz uma pequena pausa, olhe, quando estive na guerra, estive na Guiné. Por vezes ocupei-me de explicar aos soldados portugueses afinal o que é a liberdade, o que é a cultura. Mostrar-lhes que para atingirmos a liberdade temos que dar liberdade aos outros. Fui castigado por causa disso! Eu tinha uma boa relação com o chamado inimigo exactamente através da liberdade que eu sentia e queria para os outros. É que as crianças não podem fugir e os velhos também não, ficam no terreno. Era consciencializar os soldados. Muitos abraçaram-me e outros trataram-me mal.

Faz uma pausa.

Sente-se nele uma certa comoção.

:_ Quando o homem tem alguma cultura entende muito bem e eu sempre procurei, dentro daquilo que eu possa saber, ensinar os outros.

Nessa altura já havia quem defendesse a liberdade dos povos e também devo dizer que nem todos os capitalistas são fascistas. Olhe, um grande capitalista que vivia em Lisboa, o Manuel Vinhas entregou-me sacos de dinheiro que eu, ainda jovem, entregava ao Agostinho Neto, ao Amílcar Cabral e a outros.

Nova pausa, com outro sorriso, sereno,

:_ fiquei com muitos amigos, mas também fiquei com inimigos. E os inimigos quem são? São homens que por falta de cultura, por falta de educação, por falta de informação, por falta de uma série de coisas, viam em mim um mau exemplo, não defendia o meu país. Isso é mentira! Eu sempre defendi o meu país! Mas neste sentido: que os outros também sejam livres. Para eu ter liberdade não posso oprimir os outros. Isso foi o meu grande problema e que deixou marcas.

Pausa.

:_ Agora lamento muito que outros homens, que às vezes vão para o poder, e que andaram a atirar pedradas, não para magoar alguém, mas contra um determinado poder, quando lá chegam, fazem exactamente aquilo que condenaram nos outros.

Acha que o poder é corruptor da humanidade dos homens?

:_Acho que sim!Como pode ser educado o homem que vai exercer o poder?Isso é muito difícil, repare, já há polícias para guardarem outros polícias. Já se mandam juízes para julgar outros juízes. Já não se está a acreditar em ninguém. Teríamos que nos educar a todos, a nós próprios, primeiro. Então, a partir daí, poderia nascer qualquer coisa.A cultura é muito vasta, não é só erudita.Com certeza, olhe, por exemplo, devia haver muito mais respeito pelos poetas populares, porque a erudição vem depois.

Artesanato e arte?

:_A arte é uma coisa e o artesanato é outra. Para o artesanato tem que haver muita habilidade, na arte pode não se ser tão habilidoso. Há indivíduos que são muito habilidosos e vivem dessa habilidade, mas a habilidade também não é a mesma coisa que a arte.

E o ultra-realismo?

:_Tem mais habilidade que arte. Por exemplo, encomenda um retrato da sua avó, paga ao pintor, põe na parede e depois convive com aquilo, chega a uma altura em que deixa de lhe dar importância. Os retratistas não ficam na história.Mas o retrato pode ser feito de outro modo.Pode! Olhe, o retrato que o Pomar fez do Mário Soares.

Concorda que o 25 de Abril chegou à Galeria da Presidência da Republica com o retrato do Mário Soares feito pelo Pomar?

:_Sim, sim.

Riu.

:_ Foi muito contestado, não é?

A arte estimula o pensamento do artista e o seu trabalho estimula o pensamento de terceiros?

:_Exacto. Eu posso fazer uma pintura e daí a uns tempos alguém me vir dizer que descobriu isto e aquilo nessa pintura e eu responder: ‘isso é verdade, mas nunca tinha pensado nisso’.O valor é do autor do quadro, não é do habilidoso que o reproduziuIsso significa que perde a propriedade da sua pintura quando acaba a obra? A obra passa a ser propriedade do colectivo?Eu vendo um quadro e esse quadro só deixa de ser meu ou da minha família 75 anos depois de eu morrer. Por exemplo, há aquele quadro de Fernando Pessoa que fez o Almada. O que está na Gulbenkian é uma réplica. O verdadeiro está no Museu da Cidade. Aqui há muitos anos o Jorge de Brito comprou-o e ofereceu-o à cidade. Comprou esse quadro num leilão. O que o Jorge de Brito pagou pelo quadro foi muito mais do que aquilo que o Almada recebeu por ele. Tenho impressão que o Almada recebeu mais da mais valia do que pelo quadro. Existe uma réplica na Gulbenkian, mas o seu valor é do autor do quadro, não é do habilidoso que o reproduziu.O acto de pintar é um acto de solidão?Um pintor está fechado entre quatro paredes, não fala com ninguém mas de propósito. Não se considera um indivíduo que vive em solidão. Mas pintar é um acto de solidão, sim.O Sá Nogueira dizia que um pintor nunca deve estar desacompanhado. Tem que ter sempre um livro aberto, uma revista, uma coisa qualquer, mesmo que seja de pernas para o ar. E depois é a música, normalmente um pintor tem música no atelier.

A pincelada pode ser influenciada pela música?

:_Pode, pois pode. Até as cores podem ser influenciadas pela música.Um allegro pode determinar um quadro cheio de movimento?Sim, pode! A pintura é um acto de liberdade. Um homem é livre de fazer aquilo que quiser quando pega num pincel. Onde aprendi também muito foi com os loucos. Aquela liberdade que eles têm de se soltarem num espaço branco e depois começam a fazer aquelas pinceladas e começam a rir, e começam a soltar-se, começam a subir, a crescer.Há essa solidão e depois também há esse acto de liberdade.
Onde aprendi muito foi com os loucos!
A relação do desaprender de Picasso e o acto do louco que não aprendeu mas que apenas se exprime e a arte em si?O trabalho dos loucos interessa exactamente porque não aprenderam, já são crescidos e fazem as coisas como crianças. Um indivíduo chega a uma certa altura acaba por mecanizar os gestos e os pensamentos, por perder essa espontaneidade que os loucos têm.Como começa um quadro?Prefiro começar pelo caos, ir organizando um caos. Primeiro jogo a tinta para o espaço, depois dou pinceladas de todo a maneira e feitio. Muita gente começa por aí. Depois começo a organizar o caos. Uma das minhas funções é organizar esse caos. Muitas vezes acabo por descobrir no caos coisas que tinha pensado há muito tempo. Tem que ter uma dimensão de equilíbrio e uma dimensão da cor porque as cores também têm uma dimensão.A arte mora no pensamento.
A arte mora onde?Mora no pensamento.A arte não é copiar o que se vê, isso pode ser habilidade. A arte quer transmitir um pensamento, um estado, uma emoção. Por exemplo na minha relação com os toiros na pintura, estou cá em cima na bancada e todo aquele desenho que se desenvolve numa arena, aquelas cores, aquela gente, o próprio desenho da arena, as pessoas ali sentadas e é redondo normalmente. Acho aquilo muito bonito! Aquelas cores lá em baixo, aqueles capotes, o toiro, a areia, tudo aquilo é bonito e tem movimento. A pintura não é uma coisa estática, tem que ter movimento. Esse movimento e toda essa emoção, um habilidoso pode não ser capaz de retratar, um menos habilidoso por vezes busca uma outra solução, faz de outra maneira e torna-se muito mais interessante. Por exemplo, se eu pintasse toiros na Rússia não ia preso, ou se calhar ia porque não há lá toiros, mas eles preferiam que eu pintasse uma casinha, uma jarra, uma criancinha a correr, tinham que perceber o que é que eu estava a pintar. Nada dessa coisa desses estados e dessas emoções. Nada que fosse discutível, que fizesse pensar, e a arte, no fundo é o pensamento. E faz com que as pessoas pensem.

Paula Ferro e Ricardo Claro

http://mareraizes.blogspot.com/

http://www.facebook.com/#!/profile.php?id=100002817205659

Colóquio Florbela Espanca /Universidade de Évora

2011-10-10T06:52:00.000-07:00

Colóquio Internacional em Homenagem a Florbela Espanca

O Centro de Estudos em Letras da Universidade de Évora e o Grupo Amigos de Vila Viçosa convidam a comunidade académica e o público em geral a participar no Colóquio “Florbela Espanca.
O espólio de um Mito”, integrante do projeto homónimo, sediado na Universidade de Évora/ CEL, a ser realizado dia 6, 7 e 8 de Dezembro no Teatro Florbela Espanca em Vila Viçosa.
Recebendo propostas para comunicações: até 25 de novembro.

Datas importantes:
20 de novembro de 2011: data limite para o envio de título da comunicação, acompanhado de filiação do conferencista e suas moradas postal e eletrónica.
25 de novembro de 2011: envio de resumos (entre 500/600 palavras), para serem publicados no site do projeto.
30 de novembro de 2011: data-limite para inscrição/pagamento no Colóquio.
Devem por favor ser remetidas cópias digitalizadas dos comprovativos de pagamento para o email: famamario@gmail.com.
Os recibos serão entregues in loco.
01 de fevereiro de 2012: data-limite para entrega do texto integral das comunicações (até 30.000 caracteres, incluindo espaços).
Inscrições*As fichas de inscrições devem ser preenchidas exclusivamente a partir do site: http://www.florbelaespanca.uevora.pt/?page_id=46

O custo da inscrições é de 30,00 euros (dando direito a: publicação em papel da comunicação apresentada; certificado de participação e apresentação)(* Não inclui viagens, estadias ou refeições).

Para pagamento das inscrições:
NIB: 004563804004659845247IBAN (TRANFERÊNCIAS INTERNACIONAIS) : PT 50004563804004659845247
NÚMERO DA CONTA: 40 04 65 98 452
TITULAR: GRUPO AMIGOS DE VILA VIÇOSA
Comissão Organizadora:
- Ana Luísa Vilela (Universidade de Évora/ CEL)
- Maria Lúcia Dal Farra (Universidade Federal de Sergipe)
- António Cândido Franco (Universidade de Évora/ CEL)
- Fabio Mario da Silva (Doutorando da Universidade de Évora/Investigador CEL (U.Évora) e CLEPUL (U. Lisboa)
- Manuel Serrano (Grupo Amigos de Vila Viçosa)
- Noémia Serrano (Grupo Amigos de Vila Viçosa)

Curso de Literatura Portuguesa séc XX / XXI_Rosa Azevedo

2011-10-09T04:50:00.000-07:00

Vamos falar de livros. Vamos falar de Pessoa, Cesariny, Gonçalo M. Tavares, Vergílio Ferreira, Ana Teresa Pereira, O'Neill, Saramago, Soeiro Pereira Gomes, Camilo Pessanha, Valter Hugo Mãe, Natália Correia. E mais. Vamos ser surrealistas, neo-realistas, existencialistas, modernistas, revolucionários, originais e realistas. Vamos saber quem andou por cá e o que por cá se andou a escrever nos últimos cento e muitos anos.

Com Rosa Azevedo

Curso de Literatura Portuguesa séc XX / XXI
1ª sessão - final do século XIX abertura para as vanguardas do séc. XX

2ª sessão - Modernismo

3ª sessão - Surrealismo

4ª sessão - Neo-realismo Existencialismo poesia de intervenção

5ª sessão - Novos autores : 2ª feiras, de 31 de Outubro a 28 de Novembro,das 21h às 22h30, na Livraria Pó dos Livros, Lisboa.
Inscrições: podoslivros@sapo.pt / Tel: 21 795 93 39
Curso: 50€-- www.estoriascomlivros.blogspot.com www.arco-iris-de-sombra.blogspot.com

Porfírio Alves Pires / o Homem Apagado

2011-10-07T09:37:00.000-07:00

Rocha de Sousa _UM HOMEM RARO

2011-10-06T01:25:00.000-07:00

Um livro que se recomenda a todos os que gostam das artes e das letras, mesmo que, para isso, tenha de telefonar para a editora, aproveitando, enquanto pede o envio do livro, para protestar pelo facto de uma obra deste tipo não tenho lugar (pelo menos à vista) em Lisboa. Aproveitamos para publicar um pequenos excerto, talvez bastante para aguçar a vontade de «intervir».

«Tenho a manta sobre as pernas, os dedos frios, e uma dor nas costas que me anuncia, sobretudo nos dias húmidos de inverno, os desacordos do meu corpo com a Natureza. Olho para o texto que sobra no écran, já alinhado, e coloco o queixo sobre os dedos erguidos e dobrados da mão direita, talvez para saber se tem algum préstimo, mesmo em jeito de rascunho, escrever assim um atalho na direcção da alma ou da memória lacunar, coisa repisada de notas antigas e depreciadas.Revisitação, escrevi no início. Mas é sobretudo um exercício contra a perda, as mãos separando papéis, fotografias, livros anotados, rascunhos de actas sem data, projectos inacabados de visitas verdadeiras, porventura a confirmação de que avistadas em certos lagos significam ainda, ao sul, um apelo utópico de solidão e permanência, conta a morte».

Este livro pode desde já ser encomendado à cobrança pelo tm 965393431 pr editora

Edita-me

Porto

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autor :Rocha de Sousa, Editora: Edita-me, rua Barata Feyo, 140-Sala 1,10 4250-076 PORTO_tel: 965393431 in http://rochasousa.blogspot.com/2011/10/coincidencias-voluntarias-livro-raro.html

||| Galeria do desassossego |||

2011-10-05T02:24:00.000-07:00

Galeria do Desassossego
6 Outubro 19:00

Inaugura
Colectiva de Artes Plásticas e Multimédia na Galeria do Desassossego

Considerando a disseminação dos trabalhos académicos

como fundamental para o desenvolvimento integral

dos alunos do curso de licenciatura em Artes Plásticas e Multimédia,

estará patente na Galeria do Desassossego,

entre os dias 6 e 21 de Outubro

uma exposição onde se exibem realizações plásticas

do ano lectivo 2010/2011

nos domínios da ilustração, desenho, gravura e serigrafia.

+info Júlio Roriz - 936171317

INVITATION - Art et Automne / PARIS ||| CONVITE - Art et Automne / PARIS

2011-10-02T02:54:00.000-07:00

ART ET automne

Extempo / GaleriaZero - 31bis, rue Violet, PARIS

Exposição colectiva de arte contemporânea.

http://paris.galeriazero.info/

Private Views 14 e 21 de Outubro - 19 h.

Valioso documento

2011-09-30T02:05:00.000-07:00

Momentos

2011-09-24T04:12:00.000-07:00

No último dia 12 de março a Itália festejava os 150 anos de sua criação, ocasião em que a Ópera de Roma apresentou a ópera Nabuco de Verdi, símbolo da unificação do país, que invocava a escravidão dos Judeus na Babilônia, uma obra não só musical mas também, política à época em que a Itália estava sujeita ao império dos Habsburgos (1840).

Sylvio Berlusconi assistia, pessoalmente, à apresentação, que era dirigida pelo maestro Ricardo Mutti. Antes da apresentação o prefeito de Roma, Gianni Alemanno - ex-ministro do governo Berlusconi, discursou, protestando contra os cortes nas verbas da cultura, o que contribuiu para politizar o evento.

Como Mutti declararia ao TIME, houve, já de início, uma incomum ovação, clima que se transformou numa verdadeira "noite de revolução" quando sentiu uma atmosfera de tensão ao se iniciar os acordes do coral "Va pensiero" o famoso hino contra a dominação. Há situações que não se pode descrever, mas apenas sentir; o silêncio absoluto do público, na expectativa do hino; clima que setransforma em fervor aos primeiros acordes do mesmo. A reação visceral do público quando o côro entoa - "Ó minha pátria, tão bela e perdida Ao terminar o hino os aplausos da plateia interrompem a ópera e o público se manifesta com gritos de "bis", "viva Itália", "viva Verdi".

Não sendo usual dar bis durante uma ópera, e embora Mutti já o tenha feito uma vez em 1986, no teatro La Scala de Milão, o maestro hesitou pois, como ele depois disse: "não cabia um simples bis; havia de ter um propósito particular".

Dado que o público já havia revelado seu sentimento patriótico fez com que o maestro se voltasse no púlpito e encarasse o público, e com ele o próprio Berlusconi.

Fazendo-se silêncio, pronunciou-se da seguinte forma, e reagindo a um grito de "longa vida à Itália" disse RICCARDO MUTTI:

"Sim, longa vida à Itália mas... [aplausos]. Já não tenho 30 anos e já vivi a minha vida, mas como um italiano que percorreu o mundo, tenho vergonha do que se passa no meu país. Portanto aquiesço ao vosso pedido de bis para o Va Pensiero. Isto não se deve apenas à alegria patriótica que senti em todos, mas porque nesta noite, enquanto eu dirigia o côro que cantava "Ó meu pais, belo e perdido", eu pensava que a continuarmos assim mataremos a cultura sobre a qual assenta a história da Itália. Neste caso, nós, nossa pátria, será verdadeiramente "bela e perdida". [aplausos retumbantes, inclusive dos artistas da peça] Reina aqui um "clima italiano"; eu, Mutti, me calei por longos anos.Gostaria agora...nós deveriamos dar sentido a este canto; como estamos em nossa casa, o teatro da capital, e com um côro que cantou magnificamente e que é magnificamente acompanhado, se for de vosso agrado, proponho que todos se juntem a nós para cantarmos juntos."

Foi assim que Mutti convidou o público a cantar o Côro dos Escravos.
Toda a ópera de Roma se levantou... O coral também se levantou. Vê-se, também, o pranto dos artistas.

Foi um momento magnífico na ópera!

Um momento intenso e de grande emoção para os apaixonados pela liberdade!

2º Encontro Arte Contemporânea Algarve Andaluzia

2011-09-23T03:23:00.000-07:00

clique sobre a imagem

ANTÓNIO CANAU ||| exposição

2011-09-22T09:48:00.000-07:00

Exposição de Escultura e Gravura

de António Canau,

patente na Galeria Municipal de Exposições Palácio Quinta da Piedade,
de 17 de Setembro a 22 de Outubro de 2011.

António Canau é hoje um dos artistas de maior referência em Portugal no âmbito
da gravura e da escultura.
As suas obras têm figurado em muitas exposições no nosso país e no estrangeiro,
e ao longo das últimas décadas a região de Vila Franca de Xira tem tido a oportunidade
de acompanhar a evolução e os distintos períodos de um trabalho de
grande rigor e criatividade.
Desta vez, o artista apresenta-nos um conjunto significativo de gravuras e esculturas
onde podemos identificar figuras biomórficas, torsos de inspiração aparentemente
clássica ou ainda animais surrealizantes que nos prendem desde logo a
atenção.
Após um percurso de distintas colaborações em projectos artísticos de referência,
António Canau realiza assim mais uma exposição individual de grande qualidade
no Concelho de Vila Franca de Xira, com a Galeria Municipal da Quinta
da Piedade a sair beneficiada com o valor de um artista plástico desta craveira.
Ao artista, aqui fica o nosso muito obrigado, esperando que esta exposição
possa ser visitada por muitos daqueles que diariamente frequentam os espaços
da Quinta da Piedade, na Póvoa de Santa Iria.

Nasceu no Gavião em 1963.
a.canau@sapo.pt www.antoniocanau.com http://lafis.fa.utl.pt

HABILITAÇÕES ACADÉMICAS
2011 Doutoramento em Arquitectura, Ramo Arquitectura, Especialidade Comunicação Visual. Faculdade
de Arquitectura – Universidade Técnica de Lisboa. Tese: Desenhar com os ácidos: A Obra de Bartolomeu
Cid dos Santos. 1997 Master of Arts in fine Art – Printmaking (1995/97). Slade School of Fine Art –
University College London. Bolseiro da Fundação Calouste Gulbenkian. 1993 Licenciatura em Escultura.
Faculdade de Belas Artes de Lisboa – Universidade de Lisboa. Especializado em medalhística e cerâmica.
Bolseiro da Fundação Calouste Gulbenkian no 5º Ano. 1983 Curso de Artes Gráficas. Escola António
Arroio, Lisboa.
OUTRA FORMAÇÃO
GRAVURA – Cooperativa de Gravadores Portugueses.
1991 Workshop – Processos de Mixed Media. 1989 Curso de Litografia.
ENSINO
Lecciona Desenho na Faculdade de Arquitectura da Universidade Técnica de Lisboa desde o Ano
Lectivo de 1998/99, sendo actualmente Professsor Auxiliar no Departamento de Desenho e Comunicação
Visual.

MEMBRO
2010 Membro do Grupo Anverso-Reverso. 2008 Membro do http://Láfis.fa.utl. Investigador responsável
pelo núcleo de fotografia. 2007 Membro da Associação de Escultura e Arte Contemporânea. 2007
Membro do www.escultor.com.pt. 2005 Membro da FIDEM/Fédération Internationale de la Médaille.
1996 Membro fundador em Londres do grupo WE ARE International. 1982 Sócio da Sociedade Nacional
de Belas Artes desde 1982.

PRÉMIOS
2011 Prémio de Escultura da Academia Nacional de Belas Artes Gustavo Cordeiro Ramos, 2011.
2009 Menção Honrosa do Prémio de Medalha Contemporânea da V Bienal de Medalha Contemporânea

_____________________________________________
Galeria Municipal de Exposições Palácio Quinta da Piedade

Quinta Municipal da Piedade, Rua Padre Manuel Duarte 2625-173 Póvoa de Santa Iria Telefone: 219 533 050 3.ª feira a Sábado das 10.00 às 12.00 e das 14.00 às 19.00h Encerra: 2.as feiras, Domingos e Feriados GPS: 9º4`14,65" O; 38º 51`42, 35" N

Homenagem a Júlio Resende

2011-09-22T03:36:00.000-07:00

Morreu mestre Júlio Resende
Júlio Resende foi um talento que se realizou através do desenho e da pintura, com as cores que o deram a conhecer na forma expressionista."Eu sou aquilo que faço e pinto. Sou expressionista. Uma pessoa é expressionista porquê? Porque exalta certas coisas e desinteressa-se por outras. Começo sempre a trabalhar sem saber muito bem aquilo que vou fazer. Gosto muito do meu instinto, daquilo que vem e que depois controlo. Naturalmente, não vou até ao fim nesse devaneio. Em devido tempo, a reflexão vem ao de cima", lê-se numa das últimas entrevistas, ao jornal «Público», em 2008, onde admitia também que a morte não o preocupava.
Júlio Resende nasceu no Porto a 23 de Outubro de 1917. Era professor do ensino secundário mas o gosto pela pintura levou-o para outros caminhos. Fez ilustrações e banda desenhada e decide aprender a desenhar e pintar na Academia Silva Porto.
Frequentou as Belas Artes do Porto e de Paris e em 1949 cruzou-se com os maiores nomes da arte como Francisco Goya e Pablo Picasso.
Em Lisboa, conheceu Almada Negreiros em 1946 e no Porto foi discípulo de Dórdio Gomes, falecido em 1976. Ganhou em 1951 o prémio especial na Bienal de S. Paulo.
Júlio Resende recebeu outros prémios ao longo da sua carreira, entre os quais se destaca o Prémio Nacional de Pintura da Academia de Belas-Artes e, em 1997, a Grã-Cruz da Ordem do Infante D. Henrique.
http://hardmusica.pt/noticia_detalhe.php?cd_noticia=9964

Júlio Resende
Artista português, Júlio Martins da Silva Resende, nasceu no Porto a 23 de outubro de 1917 e faleceu a 21 de setembro de 2011. Júlio Resende frequentou as Escolas de Belas-Artes do Porto e de Paris.As primeiras pinturas estão inseridas na "temática alentejana", que vai retomar com maior rigor plástico e maior densidade depois de 1949, ao voltar de uma viagem pela Europa que o levou a conhecer Francisco Goya e Pablo Picasso. Em Regresso ao trabalho (1950) e Mulheres de Pescadores (1951) ainda está presente uma temática neorrealista, que não prevalece, contudo, sobre o espaço pictural, multifacetado, ritmado, remetendo para uma maior abstração. Fez inúmeras exposições individuais em Portugal, Espanha, Bélgica, Noruega, Brasil. Representou o país em exposições coletivas nas Bienais de S. Paulo, Veneza, Ohio, Londres, Paris, etc. Nos anos 60, Resende interessou-se ainda por projetos de decoração e arquitetura, colaborando na decoração do Palácio da Justiça de Lisboa ou realizando o painel para a sede do Banco de Portugal. O painel Ribeira Negra, executado em 1968 por encomenda da Câmara Municipal do Porto, é tido como o melhor painel cerâmico contemporâneo. Na intervenção no Metropolitano de Lisboa, na estação de Sete-Rios, desenvolve a memória das paisagens luxuriantes trazida das viagens pelo Brasil. Enquanto ilustrador, colaborou com vários autores, designadamente com Eugénio de Andrade em Aquela Nuvem e outras, com Sophia de Mello Breyner Andresen em Noite de Natal, O Rapaz de Bronze e O Primeiro Livro de Poesia, e com Ilse Losa em O Rei Rique e Outras Histórias.
Como referenciar este artigo:Júlio Resende. In Infopédia [Em linha]. Porto: Porto Editora, 2003-2011. [Consult. 2011-09-22].Disponível na www: .

Júlio Resende.

O mestre de todas as visões e mistérios
por Maria Catarina Nunes, Publicado em 22 de Setembro de 2011

http://www.ionline.pt/conteudos/boavida.html

Gostava de viagens e de fumar cachimbos. Mas da pintura, escapar seria proeza inalcançável. Morreu ontem, aos 93 anos
Dizia não perceber porque é que tantos jornalistas o queriam entrevistar, que um pintor deve mais pintar do que falar. Fumava cachimbo desde os 30 anos e tinha um desassossego que o obrigava a levantar cedo para se permitir (re)criar durante o dia e à noite deitar-se sentindo que viveu. Júlio Resende morreu ontem, aos 93 anos, em sua casa, no Lugar do Desenho, em Valbom, Gondomar. O seu corpo está em câmara ardente na igreja paroquial local. Missa de corpo presente hoje às 16h, funeral depois, no Cemitério de Valbom. O sentimento de ter vivido? Esse fica, mesmo para lá do dia da sua morte. Para muitos como o melhor pintor português de sempre.Júlio Resende era um homem inquieto, talvez insatisfeito, mas desassombrado. Trocava voltas nas conversas para fugir das comparações com outros artistas. Ao mesmo tempo, foi nessa ânsia de encontrar coisas que nunca se quis definir, porque o mistério é o sal da obra. Extensa. Trabalho de aranha, cauteloso, que simultaneamente respirava espontaneidade e leveza. Sem surpresas, ontem os elogios começaram a cair em catadupa. Cavaco Silva, Francisco José Viegas, Fernando Paulo, da Câmara de Gondomar, e tantos outros. "Mostrou sempre vontade de ser um artista o mais completo possível", afirmou o crítico Rui Mário Gonçalves; "Um grande homem, um grande artista", certificou o escultor José Rodrigues. Ou, nas palavras da pintora Graça Morais, sua aluna na Escola Superior de Belas-Artes no Porto: "Um grande mestre e artista. A melhor forma de o homenagear é vendo e mostrando os seus quadros", sustenta.O trabalho Expor a sua obra é o que faz a Galeria Baganha, no Porto, espaço que representou o artista nos últimos três anos, e onde ainda estão patentes alguns dos seus quadros. Foi na Baganha que Resende fez a sua última exposição. Inaugurada em Maio, "In Media Res" era uma retrospectiva da obra que assinou nos últimos 20 anos: "Isto porque ele, no último ano de vida, pintou passando pelas fases todas das duas últimas décadas, como num flashback", explicou o director artístico da galeria, Carlos Amaral. Algumas dessas peças ainda podem ser vistas em duas das salas do espaço na Rua do Bom Sucesso.As vozes próximas dizem que, mesmo com as mãos trémulas dos 93, Júlio Resende era extrovertido, com uma ideia fixa de excelência. O jornalista e historiador Germano Silva era um desses "grandes amigos": "Ele vivia para a arte, tinha uma obsessão pela arte, pela perfeição, o que o levou à criação do Lugar do Desenho. Tinha imensos desenhos e, para que não se perdesse essa obsessão, criou esse espaço", lembrou ontem. Conheceram-se frente à montra do "Primeiro de Janeiro" no Porto, ano sem precisão, e tornaram-se inseparáveis: "Era ele que decorava a redacção a pedido do Manuel Pinto de Azevedo, pois tinha criado para o jornal as figuras da banda-desenhada do ''Matulinho'' e do ''Matulão'', que transformavam aquelas montras numa atracção", recorda o jornalista. Foi, aliás, na imprensa, como ilustrador no suplemente infantil do "Jornal de Notícias", que o pintor começou por fazer carreira. Depois Resende ainda colaborou com outros jornais e foram as suas mãos (e olhos) que transmitiram as ilustrações da obra de Fernando Namora, "Retalhos da Vida de Um Médico", uma experiência a que se atirou anos depois, quando regressou a Portugal após uma longa estada em Paris.O mundo e os prémios Júlio Resende tinha 20 anos quando decidiu frequentar a licenciatura de pintura na Escola de Belas-Artes do Porto. Assim fez, e ali foi discípulo de Dórdio Gomes. Em 1944, um ano antes de se formar, apareceu pela primeira vez ao público na "Exposição dos Independentes". Fecha o curso, em 1945, com a pintura "Os Fantoches" e bastou outro ano para que concretizasse a sua primeira exposição. Lugar escolhido? Lisboa. Júlio Resende parte para a capital e é aí que conhece Almada Negreiros. Parte daí e decide visitar Madrid, onde conhece a obra de Goya. Em 1948 chegou a Paris. Na cidade iluminada foi aprendiz de Duco de la Haix e de Otto Friez. Aprofunda-se na obra de Picasso e, de regresso a Portugal, mostra o trabalho desenvolvido em França. A partir daqui não mais deixará de ser equiparado ao pintor espanhol. A sua obra passa a ser identificada como expressionista.Foi nesse ano, de regresso a Lisboa, que "Retalhos da Vida de Um Médico" ganhou direito de publicação. Nessa altura, o artista plástico já apontava para o cubismo e aproxima-se da não figuração, da abstracção. Júlio Resende atravessou diversos estilos, pesquisas e encruzilhadas, mas sempre desenhou com frescura.A vida em Lisboa, Madrid e Paris dava- -lhe novas visões, outros mistérios, e talvez tenha sido essa uma das razões para que Cavaco Silva tenha dito ontem que Resende era "de vida inspirada e de vida inspiradora". Mas por mais sede que tivesse de saber e de novas experiências, a cidade do Porto continuava a ser o lugar da raiz. Em 1951 o artista regressa às origens. Pintava o mar, as gentes desse mar, e foi nessa altura que venceu o prestigiado prémio especial na Bienal de Arte de S. Paulo, inaugurando uma série de prémios que se seguiriam nos anos seguintes. Logo em 1952, altura em que começou a dar aulas no ensino secundário, arrecadou o prémio da 7ª Exposição dos Artistas do Norte. Como professor, levou um novo espírito às aulas: "Ele tinha um gosto especial em levar os alunos para o exterior e colocá-los em contacto directo com as populações rurais", lembrou Rui Mário Gonçalves. Durante a década de 60, Resende deu atenção às coisas da arquitectura e da decoração. Participou na decoração do Palácio da Justiça de Lisboa, com seis painéis Já no Porto, assinou painéis cerâmicos para o Hospital de São João e o portento que é Ribeira Negra, painel de azulejos junto à Ponte D. Luís.Anos antes Era o ano de 1917. Faltava pouco para que Lenine derrubasse o governo russo provisório para fazer subir o socialista soviético. Pouco antes da Revolução Vermelha eclodir, a cauda da Europa via Júlio Resende nascer no Porto. Era o dia 23 de Outubro de 1917 e ninguém poderia imaginar que se seguiriam 93 anos de tintas, desenhos e espontaneidade rabiscada nas telas. Júlio Resende foi Portugal nas mais diversas apresentações. Expôs em Espanha, França, Noruega e Brasil, ou nas Bienais de S. Paulo, Veneza, Londres e Paris. Recebeu o Prémio Nacional de Pintura da Academia de Belas-Artes, e os de Armando de Basto, e de Sousa Cardoso. Foi nomeado Membro da Academia Real das Ciências, Letras e Belas-Artes Belgas, comendador de Mérito Civil de Espanha e distinguido com o prémio da Associação Internacional de Críticos de Arte.Na sua autobiografia escreveu: "Queria efectivamente ser pintor". Cumpriu tudo.